Rudi RecordsCreative Music and Adventurous Jazz

Porta Palce Collective, Neuroplastic Groove, Rudi Records 2016

In 2014, Porta Palace Collective released their exhilarating, inventive debut. Their newest, Neuroplastic Groove, expands both the number of players and their breadth-of-vision, resulting in a dynamic release that is sure to garner new fans. The central quintet of the Porta Palace Collective consists of Johnny Lapio on trumpet, Giuseppe Ricupero on tenor saxophone, Lino Mei on the Fender Rhodes, Gianmaria Ferrario on double bass, and Lilly Santon doing vocal work. Here, the Collective is filled out with the extraordinary Satoko Fujii on piano, Giancarlo Schiaffini on trombone, Jimmy Weinstein working the drums, and Natsuki Tamura on trumpet and, well, toys. As you can see, it’s a big group, and there are a lot of opportunities for things to get cluttered and overly-complex, but the Collective (under the direction of Schiaffini) toe the line perfectly between composition and all-out improvisation.

Take “Fantasy,” which starts as a drunken rush of big-band theatrics, but quickly unspools into a hectic, multi-layered dash, led by Ferrario’s precise bass. Each instrument seems to come at you from a different, unexpected angle, and it gives you the feeling of making your way through a loquacious crowd of strangers, all of whom are chatting in a language you can’t quite understand. It’s inexplicably comical, but nonetheless exciting. “Micro Texture and Low Cluster” stays true to its title, delivering a blend of acerbic trumpet-work, rasping murmurs from the reeds, and rumbling bass-work. Overlaid atop this tonal mass is Fujii’s relatively straightforward piano and Weinstein’s rolling percussion, which both work to tie the textures together and give them shape. Lilly Santon is a delightful addition to the group: she illustrates her range on “Leaders” - moving from operatic arias to scat to spoken-word to hushed undertones that, frankly, make my hairs stand up, she injects the Collective with a dose of theatricality. On that same piece, by the way, you can finally hear the sound of Tamura’s squeeze toys. I won’t say that they’re my new favorite instrument in jazz, but the fact that Tamura makes them fit at all is a testament to his ability.

The final composition, “Come Se Fosse Autunno,” pulls all of the best elements of the Porta Palace Collective together into one package. You’ve got Lino Mei’s funky, kaleidoscopic Fender Rhodes, the vocals, the excellent blend of bar-room blues with manic free-form explorations, and even a percussion solo! On the whole, Neuroplastic Groove is a synthesis of various musical traditions and styles, but it never devolves into mere facsimile; in fact, as the title of the album suggests, the Porta Palace Collective have produced a collection of music showing that jazz, just like the human brain itself, can always form new connections, new pathways to parts of the musical spectrum that might have been assumed too distant to access. A great recording, and highly recommended!
[Derek Stone,  The Free Jazz Collective]

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Rudi Records is an indipendent record label. The main musical focus is improvised music like jazz, creative music, experimental, but also some original projects characterized by a strong musical authenticity.
The Rudi label was created to bring jazz music to listeners, with a particular focus on improvisation and free experimentation. Apart from improvisation, the label will also present projects involving other types of music: all of them played with absolute authenticity.  Rudi Records is aware of the economic risk of such a proposal and of the lack – especially in Italy – of previous measures or efforts that might offer support for a similar project, which is bound to be viewed with a certain wariness by the general public. But RR also believes that it is from just such crises, and especially in the world of music, that many important new directions and proposals have come into being in the past. This is the spirit and these are the hopes that sustain RR, guide its decisions and inspire both its musicians and the audiences at its live sessions, which, in many cases, led to the creation of RR recordings. Right from the start, these have been the strongpoints of any initiative undertaken by Massimo Iudicone, the founder of the RR label, through which he will continue to pursue his time-honored activities as a producer of festivals and concerts. Through such events RR intends to establish a special rapport with the musical public, offering recordings that do not necessarily fall into hard and fast categories, in an effort to add warmth to the rather gelid range of existing offerings, which, though at first glance appear almost infinite, at times follow a set of very narrow, predetermined paths. In addition to producing and manufacturing CDs and DVDs, Rudi Records will also oversee a series of projects devoted exclusively to digital downloading, fully embracing this revolution in musical technology, not only in the interests of reaching a larger audience but, even more importantly, in order to fight recording piracy.

Fabio Sartori Marco Colonna Cristiano Calcagnile, Suite per Osvaldo, Rudi Records 2017

Come si può omaggiare musicalmente un pittore? Fabio Sartori, pianista e compositore, in un video afferma che risulterebbe banale fare riferimento alla sola produzione pittorica di Osvaldo Licini (1894-1958) esprimendo l’esigenza di approfondire anche il poeta, il narratore, l’uomo, come per dire che vita e creazione si fondono. “Suite Per Osvaldo” è un lavoro interessante proprio perché prende le mosse da questi presupposti. Licini, tra i primi astrattisti italiani, si esprime sui motivi geometrici di Mondrian ma è anche affascinato da un ricercatore dell’inconscio come Klee. Questo duplice sguardo si sviluppa anche nella musica, nell’equilibrio tra parti scritte e libertà. Sartori con un pianismo misurato, profondo e senza effetti speciali, trova due compagni di viaggio perfetti. Diligenti, coinvolti e irriverenti. Le ance di Colonna estranianti, delicate ma anche esplosive e radicali. Il drumming di Calcagnile ora raffinato ora ribollente e nervoso, impregnato di umori poliritmici. [Paolo Carradori, Alfabeta2]

Tiziano Tononi & Daniele Cavallanti Nexus, Experience Nexus!, Rudi Records 2017

Nexus, vocazione etica.
Il batterista Tiziano Tononi e il sassofonista Daniele Cavallanti hanno creato nel 1980 l'ensemble Nexus, uno dei più longevi organici del jazz italiano. I due musicisti milnaesi hanno da poco pubblicato "Experience Nexus!" (Rudi Records) che vuole essere, insieme, una riflessione in musica sul gruppo e il suo repertorio e l'ennesimo rilancio con jazzisti di più giovani generazioni: Francesco Chiapperini, Gabriele Mitelli, Emanuele Parrini, Pasquale Mirra e Silvia Bolognesi. In 37 anni i due leader hanno portato avanti con coerenza e rigore, un'idea di jazz ispirato al free, aperto a una dimensione mondiale e con una vocazione etico-politica. Cavallanti riarrangia un brano del 1983 (Nexus Falls) mentre da parte sua e di Tononi non mancano i riferimenti e le dediche a Jemayà, John Carter, John Gilmore e la Arkestra di Sun Ra, ai berberi al blues e alle piramidi. Musica policroma ed esplosiva, intrisa di energia e sentimenti, utopistica e sempre in "progress", come una viva radice anche grazie ai "giovani". [Alias 16/09/2017, Il Manifesto]

Fabio Sartori Marco Colonna Cristiano Calcagnile, Suite per Osvaldo, Rudi Records 2017

La poetica del pittore
Ci sono dischi che riconciliano con l'ascolto di quella musica inclassificabile che ci ostiniamo a chiamare jazz. Già con il precedente "(IN)Obediens" il trio del pianista romano Fabio Sartori con i clarinetti di Marco Colonna e la batteria di Cristiano Calcagnile ci aveva fatto drizzare le antenne.
Adesso con "Suite per Osvaldo" (Rudi Records) non ci sono più dubbi. Composta in onore del pittore Osvaldo Licini (1894-1958) questa musica ci consegna un compositore e una formazione di pregio assoluto. Non è passato molto tempo ma i progressi sono evidenti nell'affiatamento e nella messa a fuoco della poetica. Un quieto e sorvegliato ardore anima i sette brani, tutti compiuti nella forma e nello sviluppo. Sartori accende di lirismo una musica che esprime perfettamente l'incanto, lo stupore, la poetica lunare e sognante dell'artista marchigiano. Marco Colonna dimostra non solo l'eccellenza strumentale nei clarinetti ma la maturità di mettersi al servizio del progetto complessivo. Ascoltarlo mentre libera la fantasia e l'energia mette una gioia incontenibile. Chiude il cerchio Cristiano Calcagnile la cui sensibilità per l'ascolto e l'empatia è nota da tempo e qui trova una conferma che forse non servirebbe rimarcare, ma ripetere giova.
[Flavio Massarutto, Alias, Il Manifesto, 10 June 2017]

THE FREEXIELANDERS - Looking Back, Playing Forward (Rudi Records 1032; Italy)

Due pezzi da novanta dell'avanguardia storica come Eugenio Colombo e Giancarlo Schiaffini, uno che da un po' di anni nel ramo si distingue a sua volta come Alberto Popolla, più altri cinque colleghi di età ed estrazione varia, hanno deciso di ribattezzarsi The Freexielanders (nome eloquentissimo che non ci attardiamo a illustrare) e lanciarsi in un progetto non certo inedito (ma raro, questo sì) che, da certe esperienze olandesi (qui c'è per esempio un brano di Misha Mengelberg) fino a gruppi anche nostrani come ad esempio, negli anni Ottanta, la New Emily Jazz Orchestra seconda versione, abbinano fonemi provenienti dal jazz tradizionale e dal free (universi, per inciso, meno lontani di quanto non possa apparire in superficie, da Pee Wee Russell ad Albert Ayler). Il repertorio rispecchia in pieno tale postulato, come facilmente deducibile dalla tracklist (in cui abbiamo trascritto autori e arrangiatori proprio per rendere esplicito il tutto): vi convivono penne auree del songbook jazzistico col principe del rag, ovviamente Scott Joplin, il catalano Albert Lasry (1903/75), collaboratore fra gli altri di Charles Trenet, e addirittura un autore di colonne sonore decisamente d'antan come Felice Montagnini, di cui compare "Voce del deserto," che verrebbe da definire più ducale del Duca (Ellington, ovviamente), da Totò sceicco, del 1950. Detto ciò, fra insiemi sostanzialmente rispettosi della costola più attempata della doppia fonte ispirativa dell'ottetto (salvo qualche intercapedine meno tematica) e assoli che vi s'innestano sopra, non di rado attraversati dai turgori tipici del free, tutto procede in scioltezza, per un'operazione certo curiosa, di cui forse non si avvertiva tutta questa esigenza, ma che va comunque accettata per quello che è, vale a dire, sostanzialmente, un divertissement (almeno così siamo portati a credere). Track Listing: St. James Infirmary/Gotta Get to St. Joe (Joe Primrose/Joe Bishop); On the Banks of the Wabash (Paul Dresser); Peer’s Country Song (Misha Mengelberg arr. Colombo); Come Sunday (Duke Ellington, arr. Schiaffini); Voci del deserto (Felice Montagnini); Mood Indigo (Duke Ellington, arr. Schiaffini); Black Maria (Fred Rose); Yardbird Shuffle (James A. Noble); Cannonball Blues (Jelly Roll Morton, arr. Colombo); Sabor de Habanera (Schiaffini); The Great Crush Collision March (Scott Joplin, arr. Schiaffini); Malus Track: Rosa de amor (Albert Lasry).

[Alberto Bazzurro, All About Jazz]

Cisilino Orefice Vignato Magatelli Mansutti, Malkuth, Rudi Records 2015

Formato da eccellenti nuove leve del Nordest ormai già messesi individualmente in luce in varie formazioni, questo quintetto sviluppa in modo originale, scoppiettante e coinvolgente la lezione ornettiana. Malkuth è il primo CD del gruppo ed esce dopo che era stato possibile ascoltarne la musica dal vivo, nel corso della scorsa edizione di Udin&Jazz (clicca qui per leggerne la recensione), dove aveva fortemente impressionato. Quattro delle nove tracce sono a firma del trombettista Mirko Cisilino, le rimanenti a firma collettiva, tutte però conservano il medesimo tratto: grande libertà e ampio spazio all'improvvisazione, per valorizzare il costante ed espressivo intrecciarsi delle voci dei fiati sul fitto tappeto tessuto dalla ritmica. Voci che le strutture compositive, quando presenti, paiono avere più lo scopo di tenere assieme che non di usare con proprie finalità narrative. Il risultato è comunque splendido, così come lo era nello storico quartetto di Ornette. Sia ben chiaro: qui siamo lontani dalla musica di allora, il legame con la quale al massimo si palesa in alcuni momenti (per esempio, nell'avvio dell'improvvisazione di Cisilino a metà di "Necessità"): quel che è venuto dopo non è passato invano, senza considerare che qui le voci che si intrecciano sono tre e quella del trombone di Filippo Vignato, oltre che originale e piena di contenuti, è spesso pronta a interagire anche da gregaria con quella degli altri due fiati, Cisilino e Filippo Orefice. Quel che rimane è un impianto generale, se non un'idea, di libertà ed espressività, che si riflette poi sul ruolo della batteria di Alessandro Mansutti e -forse soprattutto—del contrabbasso di Mattia Magatelli, in genere ritmico e veloce negli altrui assoli e tuttavia pronto a condurre in modo molto più "cantato" brani di maggiore struttura -come per esempio "Veglia," interamente sostenuto anche narrativamente dalla ritmica. Tra i brani merita menzionare anche "Catena di smontaggio," il più "descrittivo" per il modo in cui comunica la sensazione di un operare in fabbrica, ma allo stesso tempo tutt'altro che prevedibile o didascalico e, come gli altri, incentrato sulle tessiture delle voci. I tre fiati, veri protagonisti, hanno tutti suoni eccellenti e idee improvvisative lucide e comunicative; svettano però soprattutto grazie alla loro interazione e al modo genialmente sempre opportuno di emergere a turno dal discorso complessivo, spesso anche in modo quasi puntillistico, senza mai scivolare né nel caos, né nel criptico. Coinvolgente e ogni volta sorprendente, fresco e profondo al tempo stesso, Malkuth è uscito proprio alla fine dell'anno scorso ma può essere considerato uno dei migliori dischi fin qui ascoltati nel 2016. Track Listing: Solo per pazzi; Di corsa; Primo incontro; Le notti bianche; Grattacapo; Necessità; Veglia; Catena di smontaggio; Terra. Personnel: Mirko Cisilino: tromba; Filippo Orefice: sax tenore; Filippo Vignato: trombone; Mattia Magatelli: contrabbasso; Alessandro Mansutti: batteria. [Neri Pollastri, All About Jazz]

Rudi Records: Reviving the Avant-garde | By Jakob Baekgaard

 The Merriam-Webster dictionary defines the avant-garde as: "an intelligentsia that develops new or experimental concepts especially in the arts." In jazz, the expression, at least to some, has negative connotations, describing music that is introverted, noisy, pretentious and/or difficult to understand. That negative image usually results from the fact that the music requires of the listener patience and a wide open mind; it doesn't replicate the predictable listening provided by pop product. In spite of the prejudice and challenges the avant-garde faces, there are always, fortunately, record labels who support the creation of experimental music. Massimo Iudicone, who runs the Italian jazz label Rudi Records, is one of the true musical developers in his country, who has done much to expand the horizons of the listening public—both as an organizer of concerts and as label owner. Music is simply in his blood. As he says: "founding Rudi Records was almost a natural requirement. For years, I was involved in artistic productions and the organization of festivals. The step from concert production to producing records has occurred naturally, although it took several years." Iudicone named his label Rudi Records because: "I wanted a short name and I had a graphical interest in the double R." The logo of the label is indeed beautiful, as is the sound of the words, with the perfectly palatable alliteration. The look is important to Iudicone and he is working closely with graphic artist Ale Sordi: "With Ale Sordi, we decided to have a very clear graphic layout: a Rudi Records CD must be immediately recognizable. We are working with some great photographers to give the covers a strong impact." In true avant-garde fashion, Iudicone isn't inspired by other labels. What he cares about is the music he discovers. He prefers live recordings: "I come from the world of music production, my interest is to propose, document and protect a certain type of music. I have not been inspired by albums or labels, but only by love for this music that is full of vitality. The creative process itself is very exciting. When possible, I prefer to have live recordings. The highest moment of creativity is often during concerts. The interplay between the musicians and the dialogue with the public is crucial." Speaking of the musical climate in his country, Iudicone says: "Jazz in Italy is not followed by mass media. This pushes many concert organizers to invite only the most prominent and famous musicians, leaving a wealth of music full of life, light and creativity behind. However, in recent years, schools of jazz, as well as the academic courses at the conservatory, are completely besieged by many young jazz musicians who feel this music could be a possible channel for communicating their art and soul." While Iudicone senses a positive spirit of exploration among young people, he is also aware of a development that is possibly problematic: "Today, musicians are much more technically prepared than before and their knowledge of music and their instrument is certainly more thorough, thanks also to new technology. But it is as if these technicalities, or the excessive care of virtuosity, stop many musicians from finding their own voice and highlighting their own individuality. It is as if there is a standardization of music, a uniformity of the sound. The trail that Rudi Records very humbly wants to take in the wide world of jazz is to give prominence to individuality. To shed light on some strictly authentic musical voices who are often ignored." Iudicone is succeeding. Rudi Records' catalog brims with quality music. When asked about particular highlights, Iudicone answers: "There are highlights in all of my records, some projects, such as Re-Union by Satta Bellatalla Spera, are completely created by me. The trio had never played together. After suggesting the trio for a concert, I followed the work of musicians for about a year and then persuaded them to record. Also, on Wind & Slap by Giancarlo Schiaffini and Sebi Tramontana, some of the tracks on the CD are taken from a concert that I organized in Rome during the same days of the studio recording. I think it is important because it gives the opportunity to hear another voice of the duo." Summing up Iudicone's passionate approach to record production is his statement that: "There is something of me in all of my discs and all are a bit like little children to care for and follow with great attention and respect." When it comes to the future of the record business, Iudicone is generally positive: "the digital revolution does not scare me, and perhaps it is a way of getting into some countries where it would be difficult for a young label like Rudi. I also think it is an efficient means to combat music piracy. Of course, the fact remains that it is important to me that there is a physical product. In addition to CDs, I would like to press on vinyl someday. l have not produced an all-digital album yet, but I just transferred the whole catalog to various digital platforms." Speaking of his release schedule, Iudicone says: "The last album was released in May, the next will be an all-Italian project, and in the fall there will be a release with a European trio." When it comes to the future, the goal is to establish the label as a long term entity: "In just 15 months, Rudi Records has created its own identity, something that is very important to me. Album after album, I hope to follow the path I've taken so far." [Published: June 13, 2012, All About Jazz] read all (article more 8 reviews)

Porta Palce Collective, Neuroplastic Groove, Rudi Records 2016

The Italian Porta Palace Collective began its work as a Torino-based quintet led by trumpeter Johnny Lapio releasing its self-titled debut album last year (Rudi Records, 2015). This album offered European abstraction of modern jazz with with touches of free jazz and avant-garde, featuring the Collective augmented by veteran trombonist Giancarlo Schiaffini, known from the Italian Instabile Orchestra and many collaborations with European free-improvisers, as the main composer.

The follow-up album, Neuroplastic Groove, expands the already established aesthetics, continues the collaboration with Schiaffini and transforms the quintet into a strong, pan-European Collective. Now the Porta Palace Collective features two musical couples—Japanese pianist Satoko Fujii and trumpeter Natsuki Tamura, who are split their time between Tokyo and Berlin, and American drummer Jimmy Weinstein and vocalist Lilly Santon, who operate a music school in Pedova.

Lapio, Weinstein and Schiaffini wrote the six compositions, and each adopts a different strategy that emphasizes the Collective's diverse and versatile aesthetics in different manners. Lapio "Neuroplastic Groove" navigates between brief, searching sonic detours while building its tension patiently and flirting with light Latin pulse. The laughs of Santon and her wordless delivery set the playful-breezy atmosphere for "E Lei Non Disse Molto Altro." Weinstein "Fantasy" is the first piece that employ the Collective full force as a jazz ensemble. His "Micro Texture And Low Cluster" is structured from almost fleeting silent touches and breathes on keys, mouthpieces, strings, skins and cymbals. Slowly it accumulates into an intriguing, imaginatively nuanced texture.

Schiaffini's "Leaders" is a relaxed, fast-shifting free jazz piece that invites eccentric and inventive contributions from the nine musicians, still, channeling the chaotic and game-like interplay into a coherent course. His "Come Se Fosse Autunno" is the most impressive composition. It employs wisely the Collective musicians improvisational skills, rooted in European jazz legacy and swings beautifully, but flows with total, organic freedom that stresses the strong, resourceful voices of the nine musicians.

Track Listing: Neuroplastic Groove; E Lei Non Disse Molto Altro; Fantasy; Micro Texture And Low Cluster; Leaders; Come Se Fosse Autunno.
Personnel: Johnny Lapio: trumpet, bubble harmon; Natsuki Tamura: trumpet, harmon, toys; Giancarlo Schiaffini: trombone; Giuseppe Ricupero: tenor saxophone; Lilly Santon: voice; Satoko Fujii: piano; Lino Mei: Fender Rhodes; Gianmaria Ferrario: double bass; Jimmy Weinstein: drums.
[Eyal Hareuveni, All About Jazz]

Alos by Maria Merlino

Starting from a strong academic background (classical and jazz) Maria Merlino, young sicilian saxophonist, is developing a personal musical path that goes without any hesitation in the "open ground" of the Creative Music. Alos, corresponds to a sequence of 11 original tracks, with a poetic dedication to Anthony Braxton (she played with him, in the European premiere of the "Sonic Genome", in Turin). Music with thematic parts that act as spark for collective improvvisations based on dialogue between the rhapsodic and humoral voice of the Merlino's sax, the vehemence of the electric guitar of Giancarlo Mazzù and the sound full and balanced of the bass of Domenico Mazza.

Maria Merlino, Alos, Rudi Records 2017

“Alos”, pubblicato da Rudi Records nel febbraio di quest’anno, getta un ponte musicale sullo stretto di Messina nel proporci un trio composto dalla sassofonista Maria Merlino, dal bassista Domenico Mazza (siciliani) e dal chitarrista Giancarlo Mazzù (calabrese). Alla base della musica contenuta nel disco c’è una forte componente ritmica, spesso preponderante sugli altri parametri. Ne Il cambiamento, ad esempio, Mazzù prepara una base latina spezzettata sulla quale la Merlino svolazza utilizzando frullato, canto ed esplosioni di note a grappoli. Anche in Mica l’idea di fondo è estremamente ritmica. Qui le idee tematiche si fanno sostanza: proposte dalla leader vengono riprese dal basso che le trasforma in loop sui quali i solisti evoluiscono. La Ricerca vede un Mazzù percussivo che si libera in un assolo spigoloso continuamente insediato dal sassofono. Il linguaggio del chitarrista calabrese è quello proprio dei chitarristi della sua generazione ma, in controluce, affiorano alcune soluzioni melodiche provenienti dalla tradizione bop e immediatamente post-bop. La Merlino, oltre al preponderante approccio ritmico, sfrutta le possibilità timbriche del suo strumento insistendo su sovracuti e una vasta gamma di effetti. La sua ispirazione, sia sullo strumento che come compositrice, proviene con decisione da Anthony Braxton, al quale è dedicata la sesta traccia del disco. Con il compositore statunitense la Merlino ha condiviso – insieme anche a chi scrive – l’esperienza del Sonic Genome tenutosi a Torino nel 2015. L’apporto di Braxton è evidente nel gioco di contrasti fra temi rumoristici e guizzi di swing, fra puntinismo e minimalismo. Domenico Mazza è un bassista attento e preciso, senza velleità di protagonismo; ottempera con fantasia e una fedele dedizione al suo ruolo che è di fondamentale sostegno. Nonostante i finali di molti brani, spesso troppo improvvisi, “Alos” è un trampolino di lancio ben congegnato che fa ben sperare nel futuro di compositrice della Merlino; un baluardo in più per le musiche di ricerca. [Ferdiando D'Urso, Arte e Arti]

D’agaro De Mattia Maier, Tea Time, Rudi Records 2016

"Bello il trio friulano D'Agaro/De Mattia/Maier (clarinetto, flauto e contrabbasso),
tutto invenzione e fantasia, tra ornitologie e rituali del thé, dialogando a tre senza limiti" Voto 7
[Enrico Bettinello, Blow Up]

Tiziano Tononi & Daniele Cavallanti Nexus, Experience Nexus!, Rudi Records 2017

Compie 37 anni il progetto Nexus condiviso dal batterista Tiziano Tononi e dal sassofonista Daniele Cavallanti con diverse generazioni di improvvisatori e jazzisti italiani e internazionali. Si avete letto bene, 37, un traguardo non solo ragguardevole numericamente, ma anche significativo di una solidità estetica che se agli albori degli anni Ottanta poteva essere anche espressione dello zeitgeist, oggi suona come un fortissimo atto di etica musicale, l'ostinata fiducia in un processo che affonda le radici nel cuore della musica nera e che si svincola dalla nostalgia generazionale per investire di un'eredità anche i cuori e le orecchie che verranno. 
Non sorprende dunque che nella formazionedi Nexus che ha inciso questo nuovo, ottimo, lavoro, troviamo insieme a Tononi e Cavvallanti altri cinque improvvisatori delle nuove generazioni, Francesco Chiapperini alle ance, Gabriele Mitelli a cornetta e pocket trumpet, Emanuele Parrini al violino, Pasquale MIrra al vibrafono e Silvia Bolognesi al contrabbasso. La musica vibra al respiro senza tempo del blues, dell'Africa, del candore melodico di Don Cherry, della visceralità celestiale di Sun Ra, ma non manca un bellissimo omaggio al clarinettista John Carter e il tutto fluisce con la sua, ormai assodata, ineluttabile urgenza di bellezza e comunità. [Enrico Bettinello | Blow Up.]

DINAMITRI JAZZ FOLKLORE & AMIRI BARAKA - Live in Sant’Anna Arresi 2013 (Rudi Records 1029; Italy)
Amiri Baraka joined the 7-piece world music group Dinamitri in 2008 to perform the "Akendengue Suite" in which he recited excerpts from his book "Wise, Why's, Y's:The Griot's Song Djeli Ya." In 2013 Baraka again appeared with Dinamitri for their performance on at the Sant'Anna Arresi jazz festival, which that year was dedicated to Sun Ra. Alto saxophonist and composer Dimitri Grechi Espinoza dedicated this recording to Baraka, who throughout this set articulates poetically on the subjects of jazz phraseology, jazz history, slavery, and other topics. On "Sun Ra" and the ensuing "Terra," Baraka describes the "philosopher musician" Sun Ra and his interplanetary music, and passes on a message from Sun Ra that "the world is in transition" and other conceptual ideas. Performing behind and along with Baraka's commentary, Dinamitri's rhythm section of percussion, drums, guitar, and keyboards create rhythmic auras of great vitality, with the baritone and alto saxophones supplementing the rhythms with strong lines and intense solos. [Don Lerman, Cadence Magazine]

D’agaro De Mattia Maier, Tea Time, Rudi Records 2016

Avant toute chose, il convient de préciser que la chronique du présent Tea Factory a été confiée à un buveur de café invétéré. Du genre qui prend le thé pour un aimable remède médicinal douceâtre juste bon à passer le rhume des foins : on traite le mal par le mal. On ajoutera que le trio sans batterie composé du flûtiste Massimo de Mattia et de deux musiciens déjà aperçus ensemble dans « Disorder at the Border », l’ancien contrebassiste de l’Instabile Orchestra Giovanni Maier et le clarinettiste Daniele D’Agaro est totalement italien, comme l’espresso ristretto et le label Rudi Records. C’est dire si le voyage proposé tient du saut vers l’inconnu ; dans la fabrique à thé du groupe, on produit une musique aussi subtile que les arômes du breuvage. C’est du moins ce que prétendent les théïnomanes. On a beau ne pas se pâmer devant la décoction, on a néanmoins un nez. Lorsque sur « Mint » la flûte de De Mattia, omniprésente et entêtante, tourne telle une fumerolle autour des claquements secs caractéristiques du jeu de Maier, on retrouve le goût poivré, légèrement malicieux de la menthe. De la même façon, la clarinette est douce, boisée et sucrée sur « Cinnamon » lorsque la flûte se fait plus acidulée. En arrière-plan, voire en arrière-bouche, le jeu de Maier a des aspects tanniques. Le trio, qui se connaît très bien, pérégrine ainsi en liberté dans les fragrances de thé. De Mattia, à qui l’on doit l’excellent Black Novel chez Rudi Records a déjà croisé Maier dans un album justement intitulé Skin, où émargeait également Zlatko Kaučič. Il y a dans Tea Factory la volonté de traduire des sensations, même fugaces ou soudaines, à l’instar du piquant « Ginger », courte attaque d’archet solitaire, comme une touche personnelle. Chacun à la sienne : « Lemon » est destiné à la flûte de De Mattia et s’offre quelques senteurs orientales. Quant à « Blackcurrant », c’est l’acidité qui prédomine dans le jeu de D’Agaro. Rien n’est univoque dans Tea Factory : les compositions instantanées usent des constructions de timbres comme des bouquets d’arômes. « Rooibos », morceau le plus long de l’album explore une forme ouverte où les atmosphères sont changeantes, parfois chargées, souvent complètement vaporeuses. A l’inverse, « Mango » est d’avantage compact, animé de mouvements imperceptibles et doux. Le principal, c’est l’interaction qui naît tout autant des cordes frémissantes que des sifflements de De Mattia. Ceux d’une bouilloire ? Peu importe. Très vite on oublie qu’il s’agit de boisson chaude, mais bien d’une musique libre et euphorisante. De celles qu’on préférera toujours en vrac plutôt qu’engoncée dans des sachets. A déguster sans modération. ]
[Franpi Barriaux, Citizen Jazz]

D’agaro De Mattia Maier, Tea Time, Rudi Records 2016

[First time I heard of Daniele D'Agaro, it was in 2011. I came across a couple of records by HatOLOGY, Strandjutters and Chicago Overtones, into a record shop. I haven't bought those albums, nor tried to download some of his music. At that time, I was listening to a lot of contemporary stuff sent to me from around the world, mostly Turkey, plus a lot of reissues, to give me some background in order to judge properly the newest material, to know the roots of this music. But I was very curious about this clarinet player, so now that I had the opportunity to listen to his newest creation, this trio documented through the album Tea Time issued by label Rudi Records, it is the right time to deepen his figure and music. D'Agaro, clarinet player, started his activity in 1979 and he moved to Berlin for a couple of years. In 1983 he moved again to Amsterdam where he started collaborating with some of the most representative names in the field of improvisation as Benny Bailey, Misha Mengelberg and Louis Moholo-Moholo. In 1989 he gave life to a trio with Tristan Honsinger and Ernst Glerum, creating a style of improvised music bathed in Kwela music (South Africa) and folk; from that period on his interest in different styles of music flourished, incorporating folk music from Friuli and gregorian chant. D'Agaro is not an enemy of contemporaneity, as his collaboration with Richard Teitelbaum testifies. I've written diffusely of flutist Massimo De Mattia in this post. As far as the third member of this trio, double bassist Giovanni Maier, he is well known here in Italy for his projects related to his instrument, documented in a series of beautiful records for bass solo. In 1996 he worked with Butch Morris for the Conduction n° 61 in Berlin, and between the other musicians he collaborated with there are Cecil Taylor, Anthony Braxton, Roswell Rudd, Han Bennink, Tim Berne, Ernst Reijseger. How's the music on this record? It is music fully integrated in the history of improvised music. Long flows, abruptly interruptions, triple chords, silence, all the rethoric elements of improvisation are here present to be enjoyed by the fans of this style of music. I love it. Anyway, there's no progress. This album is symptomatic of a more general situation in the world of improvised music nowadays. Many new musicians are trying to develop their own style, more or less disengaged from the blue notes and the mood of african-american music as it happens from the 1970s, but sometimes the music is poorer than the one developed by the likes of Evan Parker or Peter Brotzmann. On the other hand, you have a bunch of musicians, as the ones featured in this record, who master just fine their own art, and who fit perfectly in the history of improvised music. The fact that they aren't renovating it, creating NEW music, is not their own fault. We lack, I believe, a new vision of the world, a new vision of society, as musicians as Anthony Braxton or Don Cherry had in the past. This lack is part of our heritage, it is the real problem. Music comes after. But for the moment, I invite you to enjoy this music as brilliant as it is. ]
[Gian Paolo Galasi, Complete Communion]

THE FREEXIELANDERS - Looking Back, Playing Forward (Rudi Records 1032; Italy)

Divertimento senza trasgressione
I Freexielanders, ottetto con due magnifici veterani (Giancarlo Schiaffini ed Eugenio Colombo; ma spiccano anche Alberto Popolla e Francesco Lo Cascio), sposano fin dalla gustosa intestazione il jazz arcaico (Dixieland) alla libertà espressiva /free). Looking Back, Palying Forward, pubblicato dalla coraggiosa Rudi Records, risulta colorito e originale. A volte un pò prudente: il divertimento potrebbe portare a maggiori trasgressioni. 

[Claudio Sessa, inserto La Lettura, Corriere della Sera]

Tiziano Tononi & Daniele Cavallanti Nexus, Experience Nexus!, Rudi Records 2017

Sette note per sette jazzisti.
Perché un gruppo jazz viva a lungo servono coraggio e fortuna. Ma se si fa jazz d'avanguardia ci vogliono anche dedizione assoluta e visionarietà. Il gruppo Nexus è stato fondato a Milano da Daniele Cavallanti (sax) e Tiziano Tononi (percussioni) nel 1980 ed è tuttora ricco di carica vitale, come mostra il nuovo cd Experience Nexus! uscito per la Rudi Records. L'ampia sonorità del settetto passa dal violino al vibrafono al clarinetto basso. [Claudio Sessa | Corriere della Sera, inserto La Lettura 01/10/2017]

Fabio Sartori Marco Colonna Cristiano Calcagnile, Suite per Osvaldo, Rudi Records 2017

L'ormai rodato trio formato dal pianista Fabio Sartori, dal clarinettista Marco Colonna e dal batterista Cristiano Calcagnile giunge alla seconda prova discografica con questa "Suite per Osvaldo", album dedicato alla vita e alle opere del pittore d'avanguardia e poeta Osvaldo Licini (1894-1958). Come le tele di Licini i brani del trio mostrano delle strutture aperte dalle quali, partendo e tornando a dei temi scritti, si sprigionano delle improvvisazioni il cui collante rimane sempre e comunque un'imprescindibile interplay. Dall'arte di Licini quest'album trae ispirazione non solo sul piano tecnico e compositivo, per ciò che riguarda il voler incorporare quegli elementi di astrattismo e insieme di capacità di sintesi stilistica propri del pittore marchigiano, ma anche tentando di approcciarsi al suo tratto visionario, alla sua continua ricerca interiore, al suo dramma innescato dalla consapevolezza dell'irripetibilità dell'esistenza. All'interno di questa suite le composizioni scivolano una dentro l'altra indugiando su linee e colori, narrandone l'impeto attraverso il drumming di Calcagnile, l'urgenza espressiva con i clarinetti di Colonna ed esprimendone anche il rigore tramite il tocco al pianoforte di Sartori. trioUn album carico di una tensione che si manifesta sin dall'iniziale Amalassunta e che sentiamo stemperarsi solo con Nanny, il dolce omaggio alla pittrice svedese Nanny Hellstrom, moglie di Licini, un brano intimo e melodico dallo spiccato carattere mediterraneo. Con Amalassunta II sentiamo risalire gradualmente la tensione fino a giungere al picco esplosivo di Angeli Ribelli, brano dal carattere coltraniano che chiude l'album con un poesia di Licini. Suite per Osvaldo non si presenta quindi come un semplice omaggio ad un artista poco conosciuto al di fuori del ristretto ambito degli addetti ai lavori ma esplicita anche l'obiettivo di riproporre quel rapporto di reciprocità tra le varie forme d'arte nello scambio vitale di stimoli ed influenze. Da ascoltare con la dovuta attenzione. .
[Aldo De Santics, Distorsioni]

Rudi Records: A Product of Live Production | by Peter Margasak

Massimo Iudicone fell for jazz at a young age as part of his sweeping interest in the arts. At 17, Iudicone began organizing concerts and exhibitions and sought ways to combine dance, visual art, cinema and music. Twenty-five years later, Iudicone is still obsessed with the arts. He’s never stopped trying to make things happen, but in the last two years, his work has turned to something more archival and portable. Iudicone’s young Romebased label, Rudi Records, has quickly become a valuable part of Italy’s diverse jazz and improvisedmusic scenes. It focuses largely on homegrown players and their collaborations with musicians from abroad, whether it’s bassist Silvia Bolognesi improvising with New York reedist Sabir Mateen on Holidays In Siena, or the Iranian percussionist Mohssen Kasirossafar working with pianist Antonello Salis and trombonist Giancarlo Schiaffini on Live In Ventotene. Iudicone said the turning point in his aesthetic interests occurred in 2000, when he was introduced to the freewheeling, deeply inventive Italian Instabile Orchestra. “It was love at first sight,” Iudicone said. He began managing the group and working on festival productions with saxophonist Mario Schiano, a longtime member of the group. “After concerts, we would often meet with musicians in the lounges of the hotels and enjoy a good whiskey, talking about projects and the need to document certain types of music,” Iudicone said. “In 2008, Italy had a drastic cut in public funding to culture, and many of the festivals and exhibitions that I organized couldn’t continue. Hence, starting my own label in November of 2010 was almost natural.” Since then, Rudi has released 10 albums with a couple of more due by year’s end. Iudicone sees production and recording as an extension of his work as a festival programmer. “Now I produce albums that are purely artistic projects, artists that I would’ve wanted to invite to my festivals,” Iudicone said. In fact, quite a few of the Rudi founder’s releases were recorded live at one of his events. Live In Ventotene was actually recorded back in 2002 at the first installment of Iudicone’s Festival Rumori Nell’isola. For other projects, he assembles bands himself, such as the bracing trio of alto saxophonist Sandro Satta, bassist Roberto Bellatalla and drummer Fabrizo Spera on Re-Union. “Authenticity is the basis of my work with the label,” Iudicone said. “With improvised music, when a musician has something to communicate, to share, they are forced to do so if it’s a genuine gesture as an expression of their uniqueness. It’s no coincidence that I prefer, when possible, to have the recordings taken from concerts. A performance is unique and unrepeatable.” In addition to recording Mateen, Rudi has also released another Bolognesi collaboration with American players: Hear In Now, a terrific string trio featuring New York violinist and singer Mazz Swift and Chicago cellist Tomeka Reid. The label’s Italian talent ranges from well-known players like Schiaffini and fellow trombonist Sebi Tramontana on the improvised duo album Wind & Slap to lesserknown artists such as composer and flutist Massimo De Mattia. De Mattia finds an unusual intersection between chamber jazz, contemporary music and free improvisation on his meticulous Black Novel. “I’m definitely very interested in documenting Italian music,” Iudicone said. “Often, some of the greatest musicians are ignored because there is little about them in the media. But I certainly do not preclude the chance to continue working with musicians from around the world.”
(released on DownBeat, September 2012)

DINAMITRI JAZZ FOLKLORE & AMIRI BARAKA - Live in Sant’Anna Arresi 2013 (Rudi Records 1029; Italy) Featuring Amiri Baraka on voice/poetry, Dimitri Espinoza on alto sax, Gabrio Baldacci on electric guitar, Giuseppi Scardino on bari sax and Simone Padovani on drums plus Emanuele Parrini on violin & Avram Fefer on alto sax. This is the second disc from the Dinamitri Jazz Folklore & Amiri Baraka. The first one was on Rai Trade and is now out-of-print. This disc was recorded at Sant’Anna Arresi Festival in Italy in 2013 and dedicated to Sun Ra. The late Amiri Baraka was a legendary poet, playwright and political organizer. He was one of the greatest of all jazz poets and throughout this disc, his incisive words are at the center of what makes this disc so special. The music was written by Dimitri Espinoza and is most compelling and diverse, rarely free, never aimless or uninteresting. Instead of Mr. Baraka spitting out his honest words/views, he takes his time so that the music fits his sentiments perfectly. Baraka’s voice has never sounded better than it does here since he is integral to what makes this disc so great. “The original western holocaust was slavery”, so says Mr. Baraka and who can deny that?!? There are few solos here so the ones there are stand out even more, especially Mr. Baldacci’s electric guitar on “Akendengue”, and Sardino’s bari sax. There is a long, fascinating poem about and message to Sun Ra which is one of the highlights of this disc. What is wonderful about this disc is that it works so well and leaves us with a sly treasure from the ever controversial Amiri Baraka. He may have passed to another realm, but his words here really ring true. [Bruce Lee Gallanter, Downtown Music Gallery]

DANIELE CAVALLANTI and THE MILANO CONTEMPORARY ART ENSEMBLE - Sounds of Hope (Rudi Records 1026; Italy) The Milano Contemporary Art Ensemble consists of some 13 members so we will list just a few of the more known names: Daniele Cavallanti & Riccardo Luppi on reeds, Luca Calabrese & Beppe Caruso on brass and Tiziano Tononi on drums. Reeds wiz Daniele Cavallanti and drummer Tiziano Tononi have been working together for many years with more than a dozen discs together of various projects. Just last week (2/19/16), we listed a CD by Brooklyn Express which included these two plus several Downtowners. I always dig anything I hear from these two, especially their tributes to Don Cherry, Rahsaan Roland Kirk and John Coltrane. For this disc, Mr. Cavallanti organized a wonderful mid-sized (13-piece) ensemble, an all-star unit of Italy’s finest. The original music was inspired by and dedicated to American sax legends: Joe Henderson, Sam Rivers, Anthony Braxton and Roscoe Mitchell. There are three well-selected covers: two by Mongezi Feza and one by Wayne Shorter. The first piece, “The Joe Rivers Blues” (for Henderson & Rivers) is a strong opening salvo. Aside from the spirited solos from Cavallanti on tenor and Caruso on trombone, the entire ensemble has that infectious McCoy Tyner-like large group sound. Blue Notes/Brotherhood of Breath trumpet hero Mongezi Feza’s “You Ain’t Gonna Know Me ‘Cos You Think You Know Me”, has that intoxicating South African gospel/funk/jazz theme before it takes off into a freer section and then back to the opening melody. My favorite piece is called “Braxtown” and dedicated to Anthony Braxton. The piece has that unique, rather scientific Braxtonian sound (several intersection layers) with some incredible solos for the contrabass sax (Massimo Falascone) and two drummers. Like everything else we’ve heard from Mr. Cavallanti and Mr. Tononi, it is impossible to tell that these two are Italian musicians since they are so heavily influenced by American avant jazz. The title of this disc, ’Sounds of Hope’ seems most appropriate since this music is so positive and filled with festive spirits. Superb! [Bruce Lee Gallanter, Downtown Music Gallery]

Distorsioni | a cura di Aldo De Sanctis

Nata da poco più di un anno per volontà di Massimo Iudicone, la Rudi Records si sta velocemente affermando come una delle realtà indipendenti più interessanti nel panorama del jazz contemporaneo. In questo breve lasso di tempo, infatti, l'etichetta romana ha pubblicato dischi di grande pregio coinvolgendo artisti dalle indubbie capacità tecniche ed espressive. Per citarne solo alcuni: la contrabbassista Silvia Bolognesi, vincitrice del referendum indetto dal magazine Musica Jazz come migliore talento del 2010, un pezzo di storia dell'avanguardia italiana come Giancarlo Schiaffini, il vulcanico sassofonista nonchè caposcuola della vivace scena livornese Dimitri Grechi Espinoza. Ed ancora: un veterano dell'avant-jazz statunitense come Sabir Mateen e autentici poeti dello strumento come Sandro Satta, Roberto Bellatalla e Fabrizio Spera. Molte delle pubblicazioni presenti nel catalogo dell'etichetta riguardano la musica improvvisata e spesso registrata dal vivo: scelte davvero coraggiose in questi tempi di appiattimento culturale e di crisi del mercato discografico. Ma sono scelte che puntano su di un'indiscutibile qualità e sulla ricerca di un rapporto in cui l'ascoltatore non rimanga un elemento passivo. Al di là delle parole, la musica si spiega solamente attraverso l'esperienza stessa della musica. A questo siamo tutti invitati. Vi lascio all'intervista che Massimo Iudicone, che ringrazio per la disponibilità, mi ha rilasciato tramite e-mail. [Published: March 17, 2012, Distorsioni] read interview

Maria Merlino, Alos, Rudi Records 2017

Patchwork umorale e coloristico che incorpora e aggrega (entro una corrente di non minima freschezza) il dettato di più espressioni dello spirito avant-garde, Alos è dichiaratamente debitore dell'opus di Anthony Braxton, esplicito dedicatario del lavoro; e così come alle speculazioni (e alla personalità) di questi non è mai stata del tutto estranea una certa componente ludica, l'incisione si muove in effetti entro una dimensione ampia e non vincolata al rigorismo della ricerca. Un rumorismo arioso, una corrente ritmica atipica ma che non di rado assume strutturazione e swing, le propulsioni delle elettroniche, l'ancia duttile, le guizzanti ed ipercinetiche corde elettriche, la profonda corrente bassa configurano un soundscape in movimento che perviene all'obiettivo di un'improvvisazione figurativa a collettivo indipendente. Evidente la preparazione del tessuto d'insieme (secondo una "notazione personale" dell'Autrice), pure questo si dipana entro ampi margini d'indeterminazione: piuttosto personale l'occasionale selezione di motivi e materiali, dalle noci precocemente arruolate a giocattolo sonoro a blande tracce di nenie e motivi infantili, che incrociano più forti segni d'avanguardia elettroacustica, dal free altalenante tra prime e contemporanee generazioni agli incursori del post-prog usi agli idiomi jazz. Una corrente autoriale da approfondire, che in questa prova soddisfa almeno nella partecipazione contributiva al panorama più vitale del suono da esplorazione. [A.Del Noce, Jazz Convention]

Tiziano Tononi & Daniele Cavallanti Nexus, Experience Nexus!, Rudi Records 2017

Progettuale associazione datante già oltre un trentennio, Nexus non è l'unica realtà gemmante dalla frequentazione del sassofonista Daniele Cavallanti e del batterista-percussionista Tiziano Tononi: testimoni fattivi degli anni del jazz-rock e della fusion (di quando non era ancora una scappatoia - a posteriori imbarazzante), alla decima esperienza discografica in questa formula-base qui tornano a condividere l'onere compositivo, arruolando esponenti solidamente affermati dell'italica "avant-music".
Consistente ma non per questo costrittiva la regia in tandem sostenuta tra l'ancia di brace di Cavallanti ed il drumming serrato, a tratti implacabile di Tononi: l'ensemble si concede ampia libertà stilistica, con ampio credito agli individuali talenti e alle predilezioni espressive delle singole, affermate personalità in gioco (ed apparirà superfluo rispolverare i tratti identitari dei Mirra, Parrini, Bolognesi etc.), sviluppando i materiali tra vigorie corali versus stanze individuali, queste ultime suggestive ma probabilmente meno determinanti rispetto alle energie d'insieme, abili in costruzioni spettacolari che non mancheranno d'evocare anche gloriose formazioni d'oltreoceano, in primis le forze "black" gravitanti nell'orbita AACM, non mancando affatto di conformare un soundscape di formula originale, cangiante ed energicamente sfaccettato, e di non rara tempra catartica. Compiuta e gratificante esperienza in cui forze del jazz nostrano si coagulano confrontandosi senza complessi (o tratti) d'inferiorità rispetto alle controparti della "homeland" del jazz, Experience Nexus! esita in un patchwork virulento ed immaginifico su cui riflettere, e tornare con l'ascolto, oltre al valore aggiunto dell'ulteriore conferma di qualità da parte del catalogo Rudi records, di strategico e mai fatuo eclettismo. [Aldo Del Noce | Jazz Convention]

DINAMITRI JAZZ FOLKLORE & AMIRI BARAKA - Live in Sant’Anna Arresi 2013 (Rudi Records 1029; Italy) «I got a message from Sun Ra! (...) Your world is in transition!» Parole e musica si muovono intorno alla figura articolata, eccentrica, e di Sun Ra e al messaggio portato dai suoi lavori. Spoken word, racconto, testimonianza, invettiva politica si combinano con una miscela sonora capace di unire groove e libertà in una attitudine, allo stesso tempo, emotiva e radicale. Dinamitri Jazz Folklore è una formazione da sempre attenta al valore delle parole e delle storie raccontate attraverso la musica. Il Live in Sant'Anna Arresi, registrato nel 2013 nell'ambito del festival Ai Confini tra Sardegna e Jazz, rappresenta perciò un ulteriore passo in un cammino che era già transitato per Congo Evidence, il disco nato dall'incontro con Sadiq Bei, e La Società delle Maschere, pubblicato nel 2012. Amiri Baraka è stato un protagonista della storia culturale afro-americana del novecento. Il suo volume Il Popolo del Blues è un caposaldo ineludibile nell'analisi e nello studio della vicenda musicale e artistica statunitense. La sua voce - roca e militante, calda ed aspra allo stesso tempo - diventa la colonna narrativa delle musiche proposte dal Dinamitri Jazz Folklore. Parole che combinano senso e suono, significati, suggestioni e racconti: se la musica e la filosofia di Sun Ra sono il baricentro dei movimenti sonori del disco, è facile immaginare come vengano raccolti e rilanciati di continuo altri stimoli, è facile immaginare come l'interesse di tutti i protagonisti sia raccontare ed esprimere il proprio punto di vista sul jazz, sulla vicenda afroamericana, sui suoi santi e sulle sue leggende, sulla successione e sull'evoluzione delle diverse prospettive estetiche legate alla musica, espresse attraverso suoni. La musica del Dinamitri Jazz Folklore ha come marchio di fabbrica una peculiare capacità di unire attenzione al groove e ricerca dell'improvvisazione libera e senza compromessi: le diverse anime del racconto proposto da Baraka si sposano perfettamente con la pratica della formazione e, anzi, rilanciano di continuo l'azione, traccia dopo traccia. La conoscenza dell'inglese aiuta - o, quantomeno, agevola -ad entrare nel flusso narrativo: riferimenti narrativi, nomi di personaggi e titoli di brani permettono anche a chi possiede minore dimestichezza con la lingua di seguire il senso del discorso. Un'ora di musica compatta e ribollente dove la band riesce a dare coerenza ai taglienti assolo di chitarra di Gabrio Baldacci e al dialogo informale tra voce e strumenti, a tenere insieme riff, blues, matrici ancestrali, senso collettivo dell'espressione in un equilibrio sempre instabile e sempre estremamente ben condotto. Se il disco, in qualche modo, può essere considerato un omaggio a due figure come Sun Ra e Amiri Baraka, personaggi che costituiscono senz'altro un riferimento per Dinamitri Jazz Folklore, la formazione riesce a proporre nel lavoro tutte le sue peculiarità. Una transizione - per riprendere la citazione con cui abbiamo aperto la recensione - tra momenti scenici diversi diretta con personalità e con una forte visione di insieme. [Fabio Ciminiera, Jazz Convention]

Fabio Sartori Marco Colonna Cristiano Calcagnile, Suite per Osvaldo, Rudi Records 2017

A ragione del coerente carattere di laboratorio free della label, potrà relativamente sorprendere il tratto stilistico d'apertura, linguisticamente esposto dal pianoforte lungo un idioma jazz trans-temporale, cameristico per essenza e liturgico nell'incedere: Amalassunta così introduce un'operazione in formazione bassless, completata dal drumming esplorante del variamente attivo Cristiano Calcagnile e dallo spirito incursore delle ance d'ebano di Marco Colonna, abile in spericolate ascensioni di picchi e cime ai limiti del respiro fraseologico. Alterni ed efficacemente differenziati i passaggi a seguire, dalle spiritate evocazioni in Bruto agli estri di Missili Lunari e alla severa tempra di Angelo di S.D., dalla struggente solennità di Nanny alla ripresa del carattere iniziale in Amalassunta II, il battagliero e straziante clima di Angeli Ribelli conclude questa esperienza d'intercambio dai cromatici toni virili. Incisione che trae ragioni ed ispirazione dall'opus del pittore (nonché pensatore e poeta) marchigiano Osvaldo Licini, gratificata dalle note di copertina del veterano barricadero Eugenio Colombo, Suite per Osvaldo si fa apprezzare per il vessillo di libertà sventolato con convinzione dal trio, che al progetto s'attiene con (libero) rigore non difettando in carica emotiva, correnti d'ariosa musicalità e senso drammatico. [A.Del Noce, Jazz Convention]

D’agaro De Mattia Maier, Tea Time, Rudi Records 2016

Indiscusso big shot della trasgressione ad oltranza, temprata da "costruttivi" battibecchi ed invettive con turbolenti coinquilini dei piani più a nord, il clarinettista-sassofonista Daniele D'Agaro si conferma roccioso portabandiera della forma aperta e della costruttività instabile, in fattiva condivisione, nel presente caso, con una sperimentata dualità di sodali : il roccioso solista (e non-dichiarato pensatore) che ha già potuto misurarsi da pari con figure quali Mengelberg, Honsinger, Teitelbaum (ricordandone anche le più recenti, indiscutibili partnership con Franco D'Andrea e Alexander von Schlippenbach), s'interfaccia al vivace esploratore di corde e cavate delle cui varie frequentazioni vogliamo fissare almeno i nomi di Anthony Braxton e Butch Morris, e il brillante flautista autodidatta e divulgatore, controparte tra gli altri di Gianluigi Trovesi o Glauco Venier, tutti egualmente investiti nell'insufflare spirito e conferire corpo ad una panoramica plurilingue di forte sapienza cameristica comunque pervasa delle più erosive energie jazz. «Scopo primario dell'artista è aprire almeno un punto di polemica nella comunicazione, diversamente direi che abbia interamente fallito»: presa di posizione netta, captata nel corso di una conversazione già non recente con il fiatista friulano, e non certo un manifesto pacifista, ma almeno un aforisma sulla strategia estetica coerentemente perseguita, individualmente ed organicamente in collettivo, per cui nel porgerci codesto invito per un'inattesa ora del tè, certamente i Nostri s'annunciano poco inclini ed ossequiosi nell'assecondarne etichetta e cerimonialità, e molto improbabilmente potremmo figurarceli a gingillarsi tra fragranze da salottino (e financo aromi da erboristeria), come suggerirebbe la leziosa (e quanto ironica!) sequenza di "speziali" titoli conferiti alle dodici articolate tracks di Tea Time, ma è pur vero che non si rinuncia totalmente al riferimento tematico (dal tratto "pungente" di Hip Rose all'esotismo sensuale di Mango o Pomegranate, dalle fragranti ondulazioni di Sage alle energetiche sferzate di Lemon o Ginger), come i tre si palesano abili ad imbastire entro un'intelligente alternanza di gamme e di stanze immaginative, in cui le forze eoliche dei fiati s'affiancano o, vicendevolmente, s'impattano fra esse o con le elastiche e telluriche energie del ligneo strumento basso. Lo sprone di tratto deciso operato da arco e corde di Giovanni Maier, gli apporti sfaccettati, per versatilità e sottigliezze, dal fiato di Massimo De Mattia, d'incontro con le spiritate ed argute volute d'ebano di Daniele D'Agaro, insieme di respiro sottile, più spesso fremente, non privo di corrosivo e gustoso humour, toccando picchi esplosivi, si palesano di somma abilità nell'amministrare al massimo le risorse di talento: in apparenza piuttosto incuranti del manierismo ma certo assai sensibili al valore della forma, si confermano attenti fautori di una rappresentazione responsabile ed edificante per tensione estetica, che tesaurizza blues cospirativo, punte avanzate post-accademiche fino al free più speculativo. Grande lezione di creatività made-in-Friuli, insomma, che non per la prima volta associa tre corpose personalità di un jazz che sarebbe comunque limitativo categorizzare come made-in-Italy, argomentando d'aver pienamente trasceso i limiti della "scuola" e dichiarandone con pienezza di titolo il carisma di "maestri" di un'espressione svincolata da gran tempo dai confini di genere. 
[Aldo Del Noce, Jazz Convention]

THE FREEXIELANDERS - Looking Back, Playing Forward (Rudi Records 1032; Italy)

The Freexielanders «Looking Back, Playing Forward», ovvero, Inventare Nuovi Ricordi

Certo, per iniziare degnamente il nuovo anno, avrei dovuto parlare della mia indiscutibile classifica Top - essenziale ai più -, o del perché le riviste di Jazz chiudono senza lasciare traccia - e del percome quelle che rimangono impilate ad imputridire, non puzzano ancora -. Avrei dovuto indagare sul segreto di "restare originali" nonostante il successo, oppure avrei dovuto fare luce sulle infinite vie del nuovo jazz, che nuovo non è - e nemmeno jazz -, ma allora cos'è?!? Invece me ne sto qui, a raccogliere briciole di emozioni, a seguire mollichelle per ritrovare la curiosità, ad ascoltare storie che non sapevo ed a ricordare cose che non ricordavo di ricordare...
Insomma, senza tante pippe vi assicuro che la musica uno può godersela alla grande. E sì, perché quale altro sentimento può nascere dalla relazione - per molti impossibile, per altri platonica, per alcuni incestuosa - tra il piano rag di Scott Joplin ed il trombone slide di Giancarlo Schiaffini? Sapevate che Fred Rose, cantautore di Nashville, e Jelly Roll Morton, "inventore" del jazz di New Orleans in realtà sono fatti uno per l'altro? Avevate mai raccolto la confidenza che la musica di Misha Mengelberg - figura storica della scena improvvisativa contemporanea - andasse a braccetto con il mood tipico delle colonne sonore della Commedia all'Italiana?
Inventare nuovi ricordi non solo si può, sembrano dire The Freexielanders con il loro «Looking Back, Playing Forward», pubblicato per la Rudi Records di Massimo Iudicone, ma si deve, aggiungo io.
E quando succede beh, è amore al primo ascolto...read more

[Roberto Arcuri, Jazz from Italy]

THE FREEXIELANDERS - Looking Back, Playing Forward (Rudi Records 1032; Italy)

Take for instance the Italian octet The Freexielanders. On Looking Back, Playing Forward (Rudi Records RRJ1032) the band brings the same rollicking, texture-stretching freedom to contemporary original as they do to two-beat tunes that were even considered warhorses in the early 1950s. Yet starting with the first track which blends the hoary “St. Louis Blues” with “Gotta Get to St. Joe”, the foot tapping performance is done with such finesse that it’s obvious that Alberto Popolla’s sparkling clarinet blowing and Giancarlo Schiaffini’s gutbucket trombone slurs would impress during this pseudo-march exposition whether played in 1917 or 2017. This same sort of transubstantiation is applied to standards like “Yardbird Shuffle”, borne on trumpeter Aurelio Tontini’s Gabriel-like high chortles and slap bass from Gianfranco Tedeschi; or “Black Maria” that evolves into a hearty swing-shuffle dance, following a jagged split tone intro from the five horns plus vibraphone-clanking extensions from Francesco Lo Cascio that could have been part of a 1965 Free Jazz date. Like actors who are as convincing in a Shakespearean production as in an action flick, the eight perform reverse alchemy on modern tunes. “Sabor de habanera”, a Schiaffini composition, moves from tango to tea dance to something more within the contrapuntal challenge between the trombonist and clarinetist and ends with a Count Basie-like repeated riff. Meanwhile “Voice del Deserto” treated as a cousin to Hoagy Carmichael’s “Hong Kong Blues” features both free-form reed wiggles from Popolla and sizzling Gene Krupa-styled pumps from drummer Nicola Raffone. Relentless polyphony that characterize the recasting of Jelly Roll Morton’s “Cannonball Blues” relates both to notated orchestrations with a Native Indian-like lilt that pulls it one way plus slap bass and so-called Jungle effects trumpeting pulling it in another. More distinctively Tontini’s sputtering tongue stops and Schiaffini’s well modulated slides not only made a perfect toping for the stacked reed trio vamps on Come Sunday but by leaving space for altissimo clarinet puffs. The piece is deconstructed to the extent that the performances – like most of the CD – become timeless.

[Ken Waxman, Jazz Word]

For The Whole Note April 2017

THE FREEXIELANDERS - Looking Back, Playing Forward (Rudi Records 1032; Italy)

Otto musicisti, diversi per estrazione stilistica, compongono questo inedito ensemble al suo esordio discografico. Le loro intenzioni sono esplicite già nel nome (crasi tra free e dixieland) e nel titolo (coniugare le proprie radici al presente). Rivisitando un repertorio eterogeneo che va da Jolly Roll Morton a Misha Mengelberg, da Scott Joplin a Felice Montagnini passando per Duke Ellington, i Freexielanders propongono un'edizione visionaria (e a tratti giocosa) di classici quali St. James Infirmary, Come Sunday e Cannonball Blues. [ADV, Jazzit]

Porta Palce Collective, Neuroplastic Groove, Rudi Records 2016

Per la realizzazione di "Neuroplastic Groove" il Porta Pallace Collective ospita alcuni musicisti, come il trombonista Giancarlo Schiaffini che firma due delle sei tracce in programma, per un insieme timbrico sfaccettato che prevede trombe, trombone, sax tenore, voce, pianoforte, batteria, contrabbasso e Fender Rodhes. Il loro approccio alla materia sonora è di carattere improvvisativo, e quello che ne deriva è un flusso sonoro mutevole, capace di variare nel giro di poche battute da chiare esposizioni tematiche a grovigli di suono prossimi al puro free.
[R.P., Jazzit]

Maria Merlino, Alos, Rudi Records 2017

Si avverte un forte senso di sperimentazione e imprevedibilità nelle undici tracce di "Alos", l'album firmato dalla sassofonista Maria Merlino, per l'occasione in trio Giancarlo Mazzù alla chitarra e Domenico Mazz al basso elettrico. I brani seguono un flusso sonoro in divenire, basati sul dialogo e la contrapposizione strumentale, spesso costruiti attorno alle linee melodiche disegnate dalla leader. Tra le altre troviamo una traccia dedicata all'arte di Anthony Braxton, con il quale la leader ha avuto modo di suonare in passato. [Roberto Paviglianti, Jazzit]

Porta Palce Collective, Neuroplastic Groove, Rudi Records 2016

Sei composizioni, dovute, due a testa, al trombettista Johnny Lapio, al batterista statunitense (attivo da tempo anche in Italia) Jimmy Weinstein e, udite udite!, niente meno che al trombonista romano Giancarlo Schiaffini, sono proposte in questo cd dal “collettivo di Porta Palazzo” (lo storico mercato di Torino), con, oltre ai già nominati musicisti, Lilly Santon (apprezzabile soprattutto per la sua ritmica risata in Lei Non Disse Molto Altro e, per la notevole modulazione espressiva, in Leaders, un brano interessante, dall’andamento frastagliato e ondivago), Natzuki Tamura (tromba ecc.), Giuseppe Recupero (sax tenore), b>Satoko Fujii (piano), Lino Mei (fender rhodes) e Gianmaria Ferrario (contrabbasso). Musica viva dalla prima traccia (che dà il nome all’intero album) all’ultima (Come Se Fosse Autunno): due brani peraltro bellissimi. Musica dotata di grande forza e convinzione. Musica colta e popolare a un tempo, che esibisce una progettualità chiara ed esprime un intenso sforzo, singolare e collettivo, di ricerca nel sound, nella dimensione compositiva, nel dinamismo (talvolta nervoso) degli assoli, nell’intensità espressiva e nell’interazione strumentale (si ascolti in merito il confronto tra batteria e altri strumenti in Micro Texture And Low Cluster), pur affondando solide, evidenti e profonde radici nella tradizione dell’improvvisazione jazz e avanguardistica. Un “bravo!” soprattutto a Johnny Lapio, eccellente animatore culturale, capace di promuovere, allestire e coordinare un evento discografico davvero ricco e appetitoso.
[A.G. Bertinetto, Kathodik]

Porta Palce Collective, Neuroplastic Groove, Rudi Records 2016

藤井郷子、田村夏樹のコンビがサイドで参加しているアルバムがイタリアのレーベルより出たという情報があったのですが、その時国内の通販では見つからず、レーベル元よりの販売しかないとのことで、ある人を介して、取り寄せてもらいました。今、彼らのCDがコンプリートなのかどうか現状分らないのですが、やっぱり聴いてみたいですよね。2人の参加していて、その目立ち度合いというのは高い方ではないかもしれないですが、いつものリーダー作などと、そんなに方向性は違わない気がしています。もう少し、入手しやすいといいんですけれども。ただフリーには違いないので、聴く人を選ぶとは思いますが。 Neuroplastic Groove/Porta Palace Collective(Rudi Records)(輸入盤) - Recorded November 2015. Johnny Lapio(Tp, Bubble Harmon), Natsuki Tamura(Tp, Harmon, Toys), Giancarlo Schiaffini(Tb), Giuseppe Ricupero(Ts), Lilly Santon(Voice), Satoko Fujii(P), Lino Mei(Key), Gianmaria Ferrario(B), Jimmy Weinstein(Ds) - 1. Neuroplastic Groove 2. E Lei Non Disse Molto Altro 3. Fantasy 4. Micro Texture And Low Cluster 5. Leaders 6. Come Se Fosse Autunno (16/08/31)Johnny Lapio作が1-2曲目、Jimmy Weinstein作が3-4曲目、Giancarlo Schiaffini作が5-6曲目。イタリア制作で、藤井郷子と田村夏樹が参加しています。幻想的な出だしで、ほの暗い世界から自由度も高めに、ほの暗い雰囲気のまま徐々に盛り上がっていき、静かなフリーに突入する1曲目、Voiceの笑い声(?)も入りつつややファンク的でその後フリー的展開していく2曲目、出だしとラストがアンサンブルのようなフリーの集まりのようなホーンから、中盤アップテンポの4ビートで進行する3曲目、数分間の静かな展開から、フリーの応酬が続いていく4曲目、ヴォーカルからはじまり、フリー的演奏をバックに声を発したり、インストになったりの5曲目、前半8分の6拍子基調の、少し整ったフリーが進む6曲目
[Derek Stone, Kudo Jazz]

Maria Merlino, Alos, Rudi Records 2017

Negli impervi territori della composizione istantanea e aleatoria, prova a trovare il suo fil rouge Maria Merlino. Fra i numi tutelari di questo Alos c’è Anthony Braxton, a cui è esplicitamente dedicato il brano centrale della scaletta, quasi a mo’ di architrave di un progetto nel quale lo spunto breve e frammentario, spesso febbrile, si alterna adeguatamente a sviluppi più estesi del nuclei ritmici e tematici che affiorano lungo il percorso, dove i suoni si aprono a concedere maggior spazio e respiro alla trama. La giovane sassofonista siciliana, che si mostra già provvista di solida e matura tecnica, è ben coadiuvata, nella sua avventura sonora, dal brillante e dinamico apporto della chitarra elettrica “trattata” di Giancarlo Mazzù, che episodicamente tocca anche la batteria con approccio che in verità appare un po’ naif, e dal basso di Domenico Mazza, che dà corpo e sostanza al tutto mantendosi comunque libero e lontano dal semplice ruolo di schematico sostegno Un bel disco, che sorpende in più punti, e soprattutto nella scelta di concludere il tutto con uno sghembo e divertente calypso. [La Luna di Alfonso]

Looking Back, Playing Forward by The Freexielanders

A little All Star composed of musicians from different generations and different environments of the Italian less aligned Jazz scene. Musicians, often associated to the field of the experimental music, among whom masters Giancarlo Schiaffini and Eugenio Colombo, who, under the name of Freexielanders, choose to look back at their roots. Looking Back, Playing Forward – A programmatic title for an assorted repertoire that, from Jelly Roll Morton’s New Orleans and Scott Joplin’s syncopated rhythm, deviates to the film music of master Felice Montagnini and to the very Dutch Swing of Misha Mengelberg to finally rejoin Duke Ellington’s indigo spirit. A refined, exotic, imaginary sound skillfully played between present, past and future.

Booklet with Liner Notes by Bruno Tommaso

Line up
Aurelio Tontini, trumpet
Giancarlo Schiaffinitrombone
Eugenio Colombo, alto sax
Errico De Fabritiis, tenor sax
Alberto Popolla, clarinet, alto clarinet
Francesco Lo Cascio, vibraphone
Gianfranco Tedeschi, double bass
Nicola Raffone, drums

Tracks

  1. St. James Infirmary/Gotta get to St. Joe (Joe Primrose/Joe Bishop) (7:59)
  2. On the Banks of the Wabash (Paul Dresser) (6:10)
  3. Peer’s Country Song (Misha Mengelberg arr. by E. Colombo) (4:19)
  4. Come Sunday (Duke Ellington, arr. by G. Schiaffini) (6:04)
  5. Voci del Deserto (Felice Montagnini) (5:20)
  6. Mood Indigo (Duke Ellington, arr. by G. Schiaffini) (5:08)
  7. Black Maria (Fred Rose) (5:51)
  8. Yardbird Shuffle (James A. Noble) (4:35)
  9. Cannonball Blues (Jelly Roll Morton, arr. by E. Colombo) (4:31)
  10. Sabor de Habanera (Giancarlo Schiaffini) (3:50)
  11. The Great Crush Collision March (Scott Joplin, arr. G. Schiaffini) (4:50)
  12. (with a Malus Track in more)

Porta Palce Collective, Neuroplastic Groove, Rudi Records 2016

Neuroplastic Groove è il secondo lavoro del Porta Palace Collective, nuovamente pubblicato dalla Rudi Records. Il collettivo guidato da Johnny Lapio (trombettista e compositore dai multiformi interessi musicali e artistici) si muove su territori vasti, senza confini, dove il free form incrocia echi dai primi Weather Report, quelli più creativi (accade nel primo brano). Il collettivo, la cui vicenda legata a Porta Palazzo sta facendo scuola in Italia per come l’educazione musicale può partire dai quartieri disagiati per raggiungere le vette più alte dell’arte, e che aveva già un nume tutelare come Giancarlo Schiaffini al trombone si allarga al prezioso apporto di ospiti di grande respiro internazionale come Jimmy Weinstein, Natsuki Tamura, Satoko Fujii.
[Franco Bergoglio, Magazzino Jazz]

D’agaro De Mattia Maier, Tea Time, Rudi Records 2016

Nel jazz i riferimenti alla nota bevanda delle cinque hanno un precedente illustre nella notissima Tea for Two, anche se il sottinteso esoterico negli anni fino alla Seconda Guerra mondiale alludeva alla marijuana, all’epoca prediletta compagna degli swing cats americani. Chissà se D’agaro, De Mattia e Maier, musicisti navigati e colti, ci hanno pensato. Certo, questo Tea Time allude alla varietà di profumi e di spezie che si possono abbinare alla bevanda; tante ricette diverse, almeno quante se ne possono assaporare in musica e in particolare in quella apparecchiata da un trio come questo, che è senza dubbio la crema degli improvvisatori creativi italiani. Daniele D’Agaro (clarinetto), Massimo De Mattia (flauti) , Giovanni Maier (contrabbasso), dialogano tra loro su strutture aperte, ora dense ora rarefatte, ma sempre controllate e rigorose. Alla faccia di chi pensa che la musica creativa sia ostica, qui suona tutto perfetto e quasi facile. E non c’è nulla di regalato, ma la “facilità”deriva dalla intenzione che i tre riescono a gestire in in ogni singolo frammento. Il Cd finisce ma si vorrebbe sentir proseguire ancora il dialogo e viene da chiedere un bis. Perché un trio del genere andrebbe visto dal vivo. Gioco forza l’interazione dei tre, così palpabile all’ascolto, perde qualcosa nel non essere “visibile”, nel non farsi gesto pubblico e poi la possibilità di lavorare senza rete dei tre musicisti -così alta- posta di fronte agli spettatori, volererebbe certamente altissima.
[Franco Bergoglio, Magazzino Jazz]

D’agaro De Mattia Maier, Tea Time, Rudi Records 2016

[Prosegue la coraggiosa e meritoria attività dell'etichetta di Massimo Iudicone - piccola nelle dimensioni ma non negli obiettivi o nella visione artistica - volta a dar voce a realtà della musica improvvisata di grande rilievo ma spesso sottovalutate nella pratica. Il trio raccoglie in modo sinergico gli apporti di musicisti naturalmente vocati alla conversazione paritaria, all'ascolto reciproco, alla ricerca del suono e dell'intento artistico comuni. E l'ottimo risultato finale corrisponde a un valore superiore alla somma delle individualità coinvolte, pure di assoluto spicco. In una serie che si snoda attraverso dodici brani proposti come un bouquet di tè variamente speziati, che ai brani stessi danno titolo, prende corpo un programma di impianto cameratistico e piuttosto omogeneo. In esso non vi è spazio per languori o leziose astrazioni ma, anzi, vi si ritrova una costante tensione volta verso forme di stimolante dialogo circolare, irrobustite d'urgenza espressiva e sempre assai rigorose nella struttura, benché felicemente libere. Ciò non avviene a discapito della decifrabilità, garantendo così una riuscita comunicazione con e verso l'ascoltatore]
[Sandro Cerini, Musica Jazz]

Maria Merlino, Alos, Rudi Records 2017

L'esordio discografico della giovane sassofonista siciliana si presenta fortemente instriso di motivazioni e umori personali, che emergono dalla musica (dai suoi aspetti di maggiore riuscita, ma anche dagli inevitabili momenti più asprigni, o solo parzialmente risolti). dalle parole che l'autrice affida alle note di copertina, dalle stesse fotografie di corredo. Dedicato espressamente a Anthony Braxton, nel cui Music Genome la Merlino è stata parte a Torino nel 2015, l'album si presenta non certo come riflessione teorica, ma piuttosto come terreno di incontro (e di scoperta) per un trio che ha capacità di coltivare spunti (ritmici e melodici) dipanati via via secondo percorsi che li portano ad assumere struttura, secondo schemi di frequentazione reciproca che i tre musicisti hanno evidentemente avuto il tempo di affinare, evitando i rischi possibili di una perdita di tensione o di un girovagare ondivago. Tra i momenti più riusciti si possono segnalare Cappero, La Quiete, For Anthony Braxton e lo sghembo Ipso Calypso in chiusura. L'opera, che è ricca di palpiti e di naturale spontaneità, lascia ben sperare e merita un ascolto attento. [Sandro Cerini, Musica Jazz]

Tiziano Tononi & Daniele Cavallanti Nexus, Experience Nexus!, Rudi Records 2017

Disco del mese per la rivista Musica Jazz, Settembre 2017
"Un rapporto profondo con la grande tradizione afro-americana, vista - e vissuta - come fuoco ancora vivo (e vivificante) e non come cenere di un focolare spento. La capacità di rinnovarsi nella continuità, grazie anche all'incorporamento di nuova linfa vitale, offerta dai brillanti musicisti più giovani e sintonici rispetto al progetto. In altre parole, Nexus: Cavallanti, Tononi e compagni di viaggio. Nei sei brani, ripartiti equamente tra le penne dei due leader, c'è spazio per tutti i possibili registri espressivi del gruppo. Cavallanti offre Soundship, Nexus Falls,Morocco '73, a Berber Blues (il secondo dei tre brani era già stato presente nell'album di esordio del gruppo e proprio la sua rielaborazione ben si presta a simboleggiare il percorso innovativo nella continuità della formazione). Tononi contribuisce con Waves Priestess (suggestivo brano dedicato a Jemayè, divinità del mare della Santeria), Piece For John Carter John Gilmore & The Pyramids. Il suono è inconfondibile, rigoglioso e possente, atto a trascinare l'ascoltatore in un'esperienza di viaggio, rassicurante e affidabile, ma tuttavia suscettibile di aprirsi ancora verso l'inatteso e la sorpresa. Merito di una grande visione d'insieme e di un lavoro di gruppo che è sempre in grado di visualizzare l'apporto dei singoli. Un grande plauso, infine, va alla Rudi, che dimostra ancora una volta di avere a cuore, pure in tempi di crisi, il valore della musica e una precisa idea di "catalogo". [Sandro Cerini, Musica Jazz]

Fabio Sartori Marco Colonna Cristiano Calcagnile, Suite per Osvaldo, Rudi Records 2017

Perfettamente in linea con le rigorose scelte estetiche della Rudi, questo lavoro è espressamente dedicato a Osvaldo Licini (1894-1958), pittore interprete di un astrattismo in parte influenzato da Klee e Mondrian, ma anche autore dei Racconti di Bruto. Non a caso, alcune sue opere sono state scelte da Santori come fonte d'ispirazione per le proprie composizioni, oltre che per intitolare i sette episodi che compongono la seduta.
Forte di una consolidata collaborazione con Colonna (nel cui trio opera prevalentemente all'organo), Sartori è pianista dal tocco nitido e asciutto, per niente incline al virtuosismo e orientato piuttosto verso lo scavo del tessuto armonico e l'esplorazione di rarefatte cellule melodiche. In tal senso, la sua poetica appare riconducibile - fatte le debite proporzioni stilistiche e culturali - all'approccio di Paul Bley audace sperimentatore.
Esplorare è un verbo che ben si attaglia alla visione di Colonna, che compie un'approfondita analisi timbrica sui propri clarinetti, spingendosi fino a registri estremi. Calcagnile si conferma batterista di altissimo livello, dotato di una grande  capacità di ascolto e prodigo di scomposizioni e costruzioni poliritmiche. Ciò garantisce al trio l'unità necessaria per un grado elevato di interazione anche negli impetuosi crescendo e nei passaggi atonali. [Enzo Boddi, Musica Jazz]

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Listen Rudi Records!

April 2016 - RRJ1030 
Tea Time by the Italian trio Daniele D'Agaro Massimo De Mattia Giovanni Maier 

A trio consisting of some of the best Italian jazz improvisers caught in the middle of an intense three ways dialogue. A wide sound palette coming from the beautiful and peculiar combination of reeds flute and bass. Three expert musicians generating a great flow of music based on the balance of various shapes and densities. From quiet open zones through rather dense conversations. Creative Music at its best.

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2016 was a very successful year for Rudi Records.

Despite the reduced programming (the family grows...), all of our publications have almost always received the highest accolades from various Italian magazines as well as from radio and specialized websites.

The international critical acclaim was confirmed once again by the many reviews, interviews and commendation that have arrived during the year from the USA, Canada, Japan, France, Germany, Serbia, Denmark, Belgium, Finland, Belarus etc.

In the end-of-the-year evaluations of magazines, radio and blogs, both Italian and foreigners (most of all, we would like to mention Free Jazz Blog) RR was often mentioned for its work.

Sincere thanks to all the musicians who have believed and continue to believe in our work; to all critics and journalists who appreciate it and talk about it to the general public; to the staff of the RR that is driving it with passion and especially those who run the shops to buy our music.

Happy 2017!

Maria Merlino, Alos, Rudi Records 2017

La Rudi Records di Massimo Iudicone produce sempre cose interessantissime. Qui vi propongo Maria Merlino, una sassofonista alto siciliana, che ha pubblicato recentemente Alos, un cd che presenta finanché una bellissima cover (una foto di biglie su uno sfondo pittorico astratto che potrebbe simulare la densità di Einstein). Non penso di sbagliarmi quando dico che della Merlino se ne è parlato veramente poco (sul web appena un paio di recensioni), sottovalutando le sue capacità. In Alos la Merlino si propone in trio con il chitarrista Giancarlo Mazzù e il bassista Domenico Mazza, in una creativa sequela di brani improvvisati originali che, oltre a mettere in evidenza le sue qualità, mostrano un perfetto equilibrio con le velleità sonore dei suoi partners. Un trio in gran forma, a cui la Merlino aggiunge la sua espressione, tersa, libera e soprattutto in possesso dell'arte del guizzo, un'arte che nel sax ha caratterizzato lo stile di molti campioni del jazz. La Merlino, però, si distingue per una sua personalità, frutto anche di un bagaglio di formazione classica che permette anche intromissioni musicalmente eterogenee, come si evince già dall'iniziale Cappero, dove un sassofono completo di tutti gli umori alla fine incontra delle condensazioni alla Byrds (un contrappunto inserito da Mazzù); la suite di 4 brani in successione che compone Alos è ancora più esplicativa sull'entusiasmo che al momento pervade l'attività di ricerca della sassofonista (classe 1985): molta fantasia, improvvise modificazioni degli assetti e linee melodiche intelligenti condivise con gli input musicalmente strabici di Mazzù e Mazza. L'omaggio a Braxton è conseguenza della riconoscenza che l'artista nutre per l'americano, causa la partecipazione al suo Sonic Genome, mentre impressionano pezzi come Mica o Cat per la tensione e maturità che già trasportano con loro. [Ettore Garzia, Percorsi Musicali]

Maria Merlino, Alos, Rudi Records 2017

Saksofonisten Maria Merlino kommer fra Sicilia, og har bakgrunn både fra jazz og klassisk musikk. Innenfor jazzdelen av hennes virke, oppholder hun seg i det relativt frie landskapet med nær forbindelse til Anthony Braxton, som hun for øvrig spilte med på hans Europa-premiere på verket «Sonic Gonome» i Torino, for noe år siden. Selv sier hun i coveret at «I’d say that the words «healthy madness», freedom, curiosity, search and experimentation are me», noe vi godt kan skrive under på etter å ha hørt denne innspillingen noen ganger. På platen samarbeider hun tett med gitaristen og trommeslageren Giancarlo Mazzú og bassisten Domenico Mazza, som begge er med på å forme et adskillig mer elektrisk landskap enn de vi opp gjennom årene har fått fra Braxton, men med et lydbilde som er tett, lekent og spennende. I tillegg synes jeg hennes tone i altsaksofonen til tider ligger tett opptil en annen hedersmann, Ornette Coleman. Hennes litt skarpe tone og relativt korte og aggressive løp, gjør henne til en slags arvtager etter Coleman. Merlino er en kreativ altsaksofonist, som også trakterer skjell og valnøtter (!) mellom altsaksofonspillingen. Gitarist Mazzú bruker en del effekter på gitaren som innimellom minner mer om en synthesizer enn en gitar, nor som gjør musikken litt 70-talls, men uten at det blir i nærheten av den forhatte jazzrocken fra blant andre selskapet CTI. Musikken er skrevet av Merlino, med unntak av de to avslutningene «Private Stout» og «Ipso Calypso», hvor sistnevnte beveger seg et godt stykke inn i Backdoor-land, kombinert med Ornette Colemans Prime Time-periode, noe vi svært godt kan like. «Alos» er blitt en spennende plate med relativt frittgående musikk i det elektrifiserte jazzlandskapet, hvor vi møter tre musikere som er helt nye for oss, men som vi kommer til å følge med argusøyne videre. [Jan Granlie, Salt Peanuts]

DINAMITRI JAZZ FOLKLORE & AMIRI BARAKA - Live in Sant’Anna Arresi 2013 (Rudi Records 1029; Italy)
Dinamitri Jazz Folklore kan høres noe suspekt ut for en vanlig jazzlytter. Men de er et band som har eksistert i mer enn ti år på Sardinia. De har jobbet som et profesjonelt ensemble hele tiden, og er en viktig del av jazzen på Sardinia. De har tidligere gjort prosjekter med bl.a. klarinettisten Tony Scott, «Kongo Evidence» med dikteren Sadiq Bey og «Akendenque Suite» med Amiri Baraka. På denne liveinnspillingen fra den fine festivalen Ai Confiti tra Sardegna e Jazz i den lille byen Sant’Anna Aressi, i 2013, har man også samarbeidet med Amiri Baraka, Everett LeRoi Jones, som er hans opprinnelige navn. Han var en strålende poet med klare afro-amerikanske synspunkter, og han har tidligere vært å høre på plate med bl.a. saksofonisten Billy Harper («Blueprints of Jazz Vol.2»), New York Art Quartet («New York Art Quartet & Imamu Amiri Baraka»), med David Murray og Steve McCall («New Music, New Poetry») og Sun Ra And The Myth Science Arkestra («A Black Mass»). På konserten fra Sant’Anna Arresi møter vi et band vi aldri har hørt om før, med et litt tvilsomt navn for å bli tatt helt seriøst i den innerste jazzkretsen, sammen med en av de virkelig store jazzpoetene. Og hva får vi? Jo, en kjempefest for jazz og poesi som vi aldri hadde forventet. Dimitri Jazz Folklore er et strålende (nesten) brassband med dyktige musikere, som ligger i et slags «Sun Ra Goes Mingus goes New Orleans Brass Band Goes Art Ensemble of Chicago»-landskap, med dyktige musikere og med fine komposisjoner som pisker Amiri Baraka framover i diktopplesingen. Hør for eksempel på tredjesporet «Akendenque», hvor det svinger infernalsk under Barakas tekst om slavene i USA. Bandet kombinerer brassband-tradisjonen med nyere elektronikk og afrikansk perkusjon som jeg ikke kan huske noen andre har gjort, og hele platen blir en solid festforestilling. Vi merker oss spesielt barytonsaksofonisten Giuseppe Scardino med solid trøkk, og Dimitri Grechi Espinozas fine altsaksofonspill. Vi kunne gjerne nevnt alle musikerne som favoritter, for dette er en ren fest! Dette er muligens den siste plateinnspillingen med poet Amiri Baraka, og bedre og mer vitalt enn dette kunne det nesten ikke gjøres. Han døde dessverre den 9. januar i 2014, men etterlot seg en herlig plate på Sardinia.. [Jan Granlie, Salt Peanuts]

THE FREEXIELANDERS - Looking Back, Playing Forward (Rudi Records 1032; Italy)
Det italienske plateselskapet Rudi Records, har de senere årene jevnlig sendt oss musikk vi ikke har hatt anelse om hva var, men som har overrasket oss storveis hver gang vi har puttet platene i spilleren. Sist var det Dimitri Jazz Folklore & Amiri Barakas plate «Live In Sant’Anna 2013» og Porta Palace Collective’s «Neuroplastic Groove». Og så ankommer en plate med en gjeng godt voksne karer, som beveger seg inn i musikken til blant andre Scott Joplin, Jelly Roll Morton, Duke Ellington og flere kjente «gamlisser». Men de er også innom Misha Mengelberg («Peer’s Country Song»), så vi øynet nok en overraskelse før vi satte på denne plata.

Det starter med den gamle «St. James Infirmery Blues» sammen med Joe Bishops «Gotta get to St. Joe», med kanskje en av de tristeste versjonene av «St. James Infirmary Blues» som er fremført, før det blir mer lystig i «Gotta det to St. Joe», og vi er godt inne i den tradisjonelle jazzen, som er akkurat så rølpete og skjev som gjør den sjarmerende. Vibrafonsoloen beveger seg et godt stykke vekk fra det tradisjonelle, og tar oss over i den nyere jazzen, og selv om instrumenteringen av bandlyden er tradisjonell, så har de vandret mot Chicago og den nye jazzen man kan høre fra en del musikere derfra.

Det fortsetter med Paul Dressers «On the Banks of the Wabash», hvor det også slentrer avgårde i god, gammel stil, før de vrir musikken over i det frie landskapet, og Misha Mengelbergs «Peer’s Country Song», og vi har avslørt bandet. De befinner seg med den ene foten i det tradisjonelle New Orleans og Chicagos 30-tall, mens den andre foten er godt plassert i det fritt improviserende landskapet. Dette skaper en helt spesiell, musikalsk stemning, som for mange kan virke litt schizofrent og forvirrende, men som jeg personlig synes både er morsomt og originalt.

Gjennom hele platen leker de seg med de gamle, kjente jazzlåtene, og gjør sine helt egne utgaver av dem, som både ligger innenfor det akseptable rent stilmessig, men så skjærer de ut i det frie, så spaserstokker, rullatorer og møllkuler fyker veggimellom. Og det er spesielt når vibrafonisten Francesco Lo Cascio starter sine solier at det skjærer kraftig ut til venstre. Og det hjelper ikke om noen av de andre musikerne forsøker å holde bandet på «sporet». Lo Cascio klarer å få resten av bandet med seg inn i sin verden, og musikken endrer seg til noe som ligger et sted mellom ICP (Instant Composers Pool), Willem Breuker Kollektief, Italian Instabile Orchestra, Sun Ra og Jelly Roll Morton, Bix Beiderbecke og Louis Armstrong.

Vi får italienske låter som Felice Montagninis «Voci del Deserto» og trombonist Gianarlo Schiaffinis «Sabor de habanera», Ellingtons «Come Sunday» og «Mood Indigo» i en svært «gjennomsiktig» versjon, Fred Roses «Black Maria», hvor det starter fritt og går over i New Orleans, Nobles «Yardbird Suite», som låter omtrent så langt fra Charlie Parker som det er mulig å komme, Jelly Roll Mortons «Cannonball Blues», i en relativt streit versjon, og Scott Joplins «The Great Crush Collision March», med relativt «røddig» trompetspill og saksofonspill i tema og soloer, før det braker løs helt mot slutten.

«Looking Back, Playing Forwards» kan innimellom fortone seg som en plate fra ett eller annet studentorkester som har en god arrangør i sin midte, og som lager sirkus ved konsertene. Forskjellen er i hovedsak den, at her har vi med adskillig bedre musikere enn de fleste studentorkestre er utstyrt med. Selv om det også her river og sliter litt innimellom, av musikere som aldri hadde fått plass i Wynton Marsalis orkester, men som synes det er helt ok å smelle avgårde uten å trenge tenke på om man innimellom spiller litt surt eller utenfor de oppsatte planer.

Men morsomt er det, og når de avslutter med bonussporet «Rosa de Amor», av Albert Lasry, er man akkurat så langt inni den italienske romantikken som man skal. Og det er bare å by opp den fulle dama ved nabobordet til en smektende tango.
[Jan Granlie, Salt Peanuts]

Porta Palce Collective, Neuroplastic Groove, Rudi Records 2016

Stadig dukker det opp ensembler og musikere som tar den nyere jazzen et lite stykke lenger. Enten finner de på noe nytt, eller de er teknisk briljante, eller treffer ett eller annet hos meg som lytter som overrasker og gir meg energi og et kick. Porta Palace Collective gjør ingen av disse delene, men de får meg til å stoppe opp, lytte og tenke meg om (noe mange mener jeg skulle gjort mye oftere).
Kollektivet består i utgangspunktet kun av trompeteren Johnny Lapio, tenorsaksofonisten Giuseppe Ricupero, bassisten Gianmaria Ferrario og Fender Rhodes-spilleren Lino Mei, men på denne innspillingen, som de har gjort i Torino i Italia, har de fått med «feriegjestene» Natsuki Tamura (trompet, harmon, toys), Satoko Fujii (piano), Jimmy Weinstein (trommer), Giancarlo Schiaffini (tb) og vokalisten Lilly Santon, i en himmelstormende innspillingen, hvor alt er lov.
Det starter pent og pyntelig med elpiano i en slags Chick Corea-sjanger i tittelsporet «Neuroplastic Groove», før vokalisten Lilly Stanton ler seg gjennom åpningen av «E Lei Non Disse Molto Altro», før de andre musikerne kommer smygende. Eller smygende er feil begrep. De kommer stormende med et solid frijazzbudskap i horna, og «peiser på» som skulle de ikke ha gjort noe annet hele livet. Og det er tydelig at i alle fall Santon liker det som skjer, for låten ender ut med at hun fremdeles ler godt.

«Fantasy» er en typisk låt fra et litt større ensemble, og kan innimellom sammenlignes med gamle Vienna Art Orchestra.

Derfra går det over i «Micro Texture And Low Cluster», hvor man lurer på om noe er galt med platen eller spilleren i starten. I et drøyt minutt høres bare en enslig tone, lavt, før musikerne smyger seg fram (og her smyger de seg virkelig fram). Denne drøyt ni minutter lange låten gjør ikke mye av seg, før Fujii legger noen akkorder etter nesten fire minutter. Men selv om det ikke skjer så mye, er det spennende å følge de små endringene og lydene som kommer smygende. Og etter hvert vokser låta seg stor og sterk ved hjelp av Fujiis tyngre og tynge akkorder.
«Leaders» åpner med Santons ordløse sang, som utvikler seg til et frijazz øs, vi virkelig kan like, før de tar det helt ned igjen med en trommehvirvel… før de igjen pøser på. Men de tar det ned igjen, og noe som nesten høres ut som fuglekvidder overtar, og man blir sittende helt ytterst på stolen å følge med.
Så glir de rett over i sistelåta «Come Se Fosse Autunno», som er en svevende og flott sak, hvor man virkelig kan høre at kollektivet leker seg. Her swinger det upåklagelig, musikken er morsom og det er mye kreativt som kommer ut fra de forskjellige instrumentene.
Jeg har sjekket plateselskapet Rudi Records, og funnet flere plater der, som befinner seg i samlingen min. Så nå er det bare å hive seg over arkivet, for ved siden av «galskapen» til Porta Palace Collective, er jeg sikker på at det forefinnes flere morsomme ting på den labelen, som for eksempel platen Live in Sant’Anna Arresi 2013» med Dinamitri Jazz Folklore & Amiri Baraka, som vi anmeldte her på salt-peanuts.eu for en stund siden.
[Jan Granlie, Salt Peanuts]

Tiziano Tononi & Daniele Cavallanti Nexus, Experience Nexus!, Rudi Records 2017

Det dukker stadig opp spennende musikk fra det italienske selskapet Rudi Records. Nå kan man ikke påstå at all musikk som kommer fra Italia er like spennende, men Rudi Records har klart å samle noe av det mest spennende fra landet under sin paraply. Og her kommer mdet sannelig enda en spennende plate fra selskapet.
Bandet Nexus er et av Italias lengstlevende musikalske institusjoner. De har holdt det gående med forskjellig besetning gjennom snart 40 år. Hele tiden har bandet hatt de samme lederne, saksofonisten Daniele Cavallanti og trommeslageren Tiziano Tonini, og opp gjennom årene har de stått på sitt når det gjelder hva slags musikk de gjerne vil holde på med. Her har tradisjonene til den afroamerikanske musikken stått i sentrum, de har hele tiden vært opptatt av blues, integrert med forskjellige musikalske språk. Men hele tiden har jazzhistorien stått i front, og når man hører bandet, kan man like gjerne få følelsen av musikk fra jazzens barndom som det nyeste nye, godt blandet i en herlig lapskaus.
«Experience Nexus!» er deres tiende innspilling, og i den forbindelse har de invitert inn de ledende frijazzmusikerne i Italia, uten at hensikten var å «ta helt av» og gi musikerne frie tøyler, men at man ville blande generasjoner og se hva som ville komme ut av det.
Derfor finner vi «yngre» musikere som trompeteren Gabriele Mitelli og vibrafonisten Pasqualle Mirra. Mens resten av musikerne kjenner de to sjefene ut og inn, og vet hvor de vil musikalsk.
Vi får seks låter, hvorav den ene, «Piece for John Carter» er delt inn i tre deler, og hele veien er det den litt dystre frijazzen som råder grunnen. Men uten at platen blir depressiv eller uten spenning. Vi møter musikere som stråler, ledet med hård hånd av saksofonisten Daniele Cavallanti. Med seg har han saksofonisten, bassklarinettisten og fløytisten Frencesco Chiapperini, trompeteren Gabrielle Mitelli, fiolinisten Emanuelle Parrini, vibrafonisten Paquale Mirra, bassisten Silvia Bolognesi, og bak det hele regjerer Tiziano Tonini over trommer, perkusjon og gonger.
Og resultatet ligger et godt stykke fra det vi er vant til å høre på hjemmebane her i Norden. Det er usedvanlig dyktige musikere, som spiller frijazz litt annerledes enn her oppe i nord. Mye av musikken kan nesten høres ut som en oppdatert utgave av Charles Mingus, men med en del friere passasjer, som i «Nexus Falls», hvor fiolinisten Emanuelle Parrini får slippe til for fullt. Og «Piece for John Carter», tror jeg salige Carter (24. september 1929 – 31 mars 1991) ville ha likt hadde han fått mulighet til å høre den. Jeg tror også like salige John Gilmore fra blant annet Sun Ra (28. september 1931 – 20. august 1995) ville likt den relativt frie låten «John Gilmore & the Pyramids».
Og da de avslutter med «Morocco ’73, a Berber blues», så tar de oss med på en reise inn på et marked i Marokko, hvor fløyter og vibrafon leder oss gjennom de trange gatene og ut på markedsplassen, og det er bare å kaste seg med på festen. For dette er en fest fra start til mål. Det er varmt, det er svett og det er italiensk frijazz på sitt beste. La denne gjengen holde på i minst 20 innspillinger mer, og gjerne 40 år til..
[Jan Granlie | Salt Peanuts*]

Rudi Records Label Spotlight | By Ken Waxman

 Realization of one dream coupled with the lessening of funding for others convinced Massimo Iudicone in 2010 that it was time to create his own label. Since that time Rudi Records has released 32 productions by noteworthy musicians from its base in Terracina, about 50 miles southeast of Rome. Iudicone, who also produces music festivals, found the money situation made it difficult to organize concerts. “So I decided to start a record company to host and document the events that I would have liked in my festivals,” he recalls. At the same time Iudicone, who had been working with The Italian Instabile Orchestra (IIO) since the ‘90s, was organizing projects for friends in the IIO. “We often talked about creating a record linked to the Orchestra, but we were never able to manage it,” he explains. Instead that dream became Rudi. The label’s first jazz release was Wind & Slap featuring IIO members trombonists Giancarlo Schiaffini and Sebi Tramontana, with subsequent sessions featuring such Orchestra stalwarts as tenor saxophonist Daniele Cavallanti, drummer Tiziano Tononi and violinist Emanuele Parrini. Other wellrespected Italian improvisers have recorded for the label as well as a scattering of outsiders including Austrian vocalist Katja Cruz and American saxophonist Sabir Mateen. Most Rudi CDs highlight small groups, but some feature larger ensembles. “I absolutely want to document and make a space for special projects and for musicians who often suffer from lack of popularity but are excellent artists,” states Iudicone. “I believe improvisation in music is one of the highest expressions of contemporary art; it’s to live following the beat of our time.” This beat goes on in different fashions. “The choice of the projects is random,” Iudicone elaborates. “Sometimes musicians propose a project, other times I suggest musicians get together and sometimes I know of a concert in advance and propose to record it. I prefer live recordings because improvised music takes on different breath and color there.” “Rudi Records seems to offer more visibility and promotion for every new recording coming out,” explains Milan-based Cavallanti, who has helmed three Rudi sessions. “During the past 10 to 15 years I’ve become more interested in working out my music with large ensembles, so when I turned 60 the time had come to gather a 10-piece sort of ‘dream band’ for a two-night gig at the AH-UM Jazz Festival in Milano. We recorded live and Rudi Records was the natural choice to publish this project. Sounds of Hope with the Milano Contemporary Art Ensemble is a natural step and this time my idea was to present an ensemble that would feature a particular avant garde bunch of musicians of the city of Milano. The main difference in dealing with Rudi Records compared to other labels is that Massimo is a friend. I just pick up the phone, tell him: ‘I’ve got a new project, which I want to publish with Rudi Records’, send him the master and then we discuss who is going to pay for what.” Depending on the project, mastering, pressing, design and other expenses are often split between Iudicone and the musicians involved, with considerations such as the intricacies of international promotion taken into account. Although Iudicone is the label’s only employee, graphic designer Ale Sordi came up with the label’s distinctively linked backwards and forward facing double-R. Rudi was a nickname for Iudicone in his younger days. “But I was also attracted by the double-R sound as well as the intriguing graphic potential of the double R,” Iudicone admits. Two Rudi discs are on different formats. Suoni dal Carcere by vocalist Maria Pia De Vito and bassist Silvia Bolognesi is a DVD; while Cruz’ Hexaphone featuring Oliver Lake is a CD/DVD set. “Suoni dal carcere (Sounds from a Prison) documents an extraordinary concert on the Island of Ventotene where many Italian intellectuals were confined during the Fascist era,” recounts Iudicone. The place is full of history and the concert, thanks to excellent artistic quality of the performers was really nice, so I documented it as it took place on the grounds of an 18th century Bourbon prison. The visual part of Hexaphone is very important to the composition, so we decided with Katja to add the DVD.” He has no plans for future DVDs. As for LPs, “in Italy there’s not a high request for it,” states Iudicone. “Vinyl is very charming and it’s making a comeback, but it’s almost unmanageable, not because of the cost of production but the cost of packaging and shipping. It would be very expensive for the customer.” As for downloads, most are available via streaming services. Plans were to make all albums available digitally, but “that market hasn’t yet exploded with regards to improvised music,” he notes. “I still prefer the physical copy, with its rigid jewel-box, which is well exposed on store shelves. Another option not well exposed on Rudi is non- Italian improvisers. But not for any particular reason, notes Iudicone. For instance, Canarie by the Scandinavian Honest John quintet is on Rudi. “[The band’s] Klaus Ellerhusen Holm contacted me to propose his project. I had no hesitation about publishing it and I still find it wonderful. For me good music is good music, from USA, from Europe or from everywhere. However, Rudi is also a local trademark, a label to accommodate the Italian improvised music projects in particular.” To this end he’s particularly proud of two recent productions. The just-released Live in Sant’Anna Arresi 2013 features the late American poet Amiri Baraka with the seven-piece Dinamitri Jazz Folklore ensemble led by alto saxophonist Dimitri Grechi Espinoza. “I was very enthusiastic about the idea of producing this project which took almost three years to be brought to light,” notes Livorno-based Espinoza, who has released three other Rudi CDs. “In the meantime Baraka died so Massimo and I were motivated even more to complete the job.” He adds: “What I like most about Rudi is how Massimo is very careful about the musical content of the label, doesn’t interfere in musical choices and tries to simplify all the business dealings. I knew of Massimo because my dear friend Emanuele Parrini told me about the way Massimo handles the label. I called him and after we spoke about different aspects I decided to send him the master of a recording session I had just made with Tito Mangialajo Rantzer on bass. He liked it and published it very quickly as When We Forgot the Melody.” As for the differences between the duos and the Baraka CD Espinoza explains: “These recordings show different interests that I’m cultivating and Rudi Records seems to be very interested in following my creative process.” The next Rudi production, entitled Tea Time, is a first-time meeting between three major Italian improvisers: reedplayer Daniele D’Agaro, flutist Massimo De Mattia and bassist Giovanni Maier. “So many Italian musicians don’t have space to perform and be known,” notes Iudicone. “That’s why in a large part this catalogue is meant to represent an Italian pathway within the larger world of improvised music. But again, I’m absolutely open to the world.””[Published: May 2016, THE NEW YORK CITY JAZZ RECORD; see also Jazz Word]

Neuroplastic Groove by Porta Palace Collective

The return of the Porta Palace Collective on Rudi Records. Following their great debut album, realized in cooperation with Giancarlo Schiaffini, the ensemble from Turin is back as an open form group augmented by Natsuki Tamura on trumpet and pianist Satoko Fuji, the American drummer Jimmy Weinstein and the already mentioned Giancarlo Schiaffini on trombone. The album makes another step toward the core of a jazz oriented Creative Music, and if compared to the previous work, it shows an even more extrovert and inclusive approach. Here is a wide soundscape based on long collective improvisations that gradually develop towards some great scores and themes. The core of the group consists of Johnny Lapio (trumpet), Lilly Santon (vocal), Giuseppe Ricupero (sax) Lino Mei (Fender Rhodes) and Gianmaria Ferrario (double bass).

Line up

Johnny Lapio, trumpet, bubble harmon
Natsuki Tamura, trumpet, harmon, toys
Giancarlo Schiaffini
, trombone
Giuseppe Ricupero, tenor sax
Lilly Santon, voice
Satoko Fujii, piano
Lino Mei, febder rhodes
Gianmaria Ferrario, double bass
Jimmy Weinstein, drums

Listen

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